Comparación de las teorías de los géneros: Platón vs. Aristóteles

1. El valor de la Mímesis

  • Platón: Muestra una actitud de sospecha. Para él, la imitación es un alejamiento de la verdad (Idea). En el texto de La República, clasifica los géneros según el grado de «presencia» del autor; cuanto más imitativo es el género (tragedia), más peligroso le parece porque el autor se oculta tras la máscara de los personajes.
  • Aristóteles: Revaloriza la mímesis. Como indica su texto, la imitación es connatural al hombre y es el eje de nuestro aprendizaje. No es un engaño, sino una capacidad humana que nos distingue de los animales y nos produce placer.

2. Sistema de clasificación

  • Platón: Utiliza un criterio tripartito basado solo en el modo (quién habla): imitación pura (teatro), narración pura (ditirambo) o mixto (epopeya).
  • Aristóteles: Sistematiza la clasificación de forma más compleja. Aunque mantiene el «modo» de Platón (que él reduce a binario: narrativo o dramático), añade dos criterios nuevos presentes en los textos: el medio (ritmo, armonía, palabra) y el objeto (calidad moral de los personajes).

3. La finalidad del género

Mientras Platón ve el género en función de su utilidad para el Estado o su cercanía a la verdad, Aristóteles introduce en sus textos la catarsis. La tragedia no solo imita, sino que tiene la función específica de purificar las pasiones (piedad y temor) en el espectador.

Platón (428 a.C. – 347 a.C.)

La teoría platónica se mueve entre la metafísica y una visión utilitarista del arte. Sus puntos clave son:

Inspiración y Furor Poético

En el diálogo “Ión o sobre la Ilíada”, conocido también como “De la poesía”, Platón define la poesía como un acto de inspiración divina o “furor poético”. El poeta, en estado de «locura transitoria», es un canal de los dioses. No crea por conocimiento racional, sino por una fuerza que lo posee.

La crítica a la escritura (Hypomnesis vs. Anamnesis)

Para Platón, el conocimiento verdadero es la anamnesis (recordar las Ideas eternas mediante el diálogo). Critica la escritura en el Fedro llamándola hypomnesis (simple recordatorio), pues considera que debilita la memoria y nos aleja de la verdad. Además, considera que la poesía puede ser peligrosa, comparándola con un fármaco (phármakon) que puede ser tanto un remedio como un veneno.

Filosofía vs. Retórica

En el Fedro, critica la logografía (escritura de discursos) y separa la filosofía (que busca la verdad) de la retórica (que busca persuadir sin importar la verdad).

La expulsión de los poetas

En La República, Platón expulsa a los poetas de la ciudad ideal porque sus obras no contribuyen a la verdad. Sin embargo, en Las Leyes suaviza su postura y acepta la poesía solo si sirve a los intereses del Estado, un pensamiento que influirá en movimientos como el realismo socialista.

Géneros literarios según Platón

Platón introduce el concepto de mímesis, que significa imitación del mundo sensible. Sin embargo, para Platón, la mímesis es una imitación de una imitación, lo que aleja a las personas de las Ideas perfectas y eternas. Platón clasifica los géneros en tres tipos:

  1. Arte dramático (tragedia y comedia): Basado en la imitación de la realidad, pero no fiel a las Ideas.
  2. Ditirambo: Que se aleja más de la mímesis y se centra en la narración del poeta.
  3. Epopeya: Una mezcla de mímesis y narración.

Tipos de Mímesis

Dentro de la imitación del mundo sensible, distingue dos niveles:

  • Mímesis icástica: Imitación fiel a la realidad (aunque sigue siendo imperfecta).
  • Mímesis fantástica: Imitación libre que se aleja totalmente del mundo verdadero.

En todo caso, preferiría aquellas producciones artísticas en donde interviene la inspiración y el furor, como expresión del mundo de las ideas.

Aristóteles y su «Poética»

Aristóteles supone la humanización de la cultura y la independencia de la Poética como disciplina. Marca un punto de inflexión con su Poética, desplazando la visión mística de Platón hacia una concepción científica y humana del arte. Sus pilares teóricos son:

Verosimilitud e Historia

La literatura ya no nace del «furor divino», sino de la mímesis, una cualidad natural y biológica del ser humano. Este cambio supone un proceso de humanización y antropologización de la cultura. El concepto clave es la verosimilitud: el arte no imita la realidad tal cual es, sino según lo que es posible o probable.

Diferencia fundamental: Aristóteles distingue entre Historia (narra lo que ha sucedido) y Poesía (narra lo que podría suceder). Esta distinción es la base del realismo literario posterior.

Sistema de Géneros y el papel del Lenguaje

Aristóteles organiza los géneros según tres criterios: medio, objeto y modo de imitación.

  • Modo: Simplifica el esquema de Platón en uno binario: narrativo (el autor habla) y dramático (los personajes actúan).
  • Objeto: Divide entre personajes superiores/nobles (tragedia y epopeya) e inferiores (comedia).
  • Lenguaje: A diferencia de Platón, Aristóteles da un papel central al lenguaje en la definición de poesía. Analiza la elocutio (forma de expresión), el uso de metáforas, nombres raros y la búsqueda de claridad frente a la oscuridad.

La Tragedia y la Epopeya

Ambas imitan acciones nobles, pero se diferencian técnicamente:

  • Tragedia: Utiliza la actuación directa, busca la catarsis (purificación mediante piedad y temor) y su extensión suele limitarse a «un solo trayecto del sol». Sus componentes esenciales son la fábula (trama), la peripecia (giro del destino), la hamartía (error del héroe), la anagnórisis (revelación), el pathos (destrucción) y los caracteres (personajes que protagonizan la obra).
  • Epopeya: Es puramente narrativa, tiene una extensión ilimitada en el tiempo y utiliza un ritmo métrico único.

Las Unidades Dramáticas

Aunque posteriormente se le atribuyeron tres, Aristóteles solo formula claramente la unidad de acción. Menciona la unidad de tiempo (un solo trayecto del sol) como una práctica habitual, pero no como una norma rígida. Las otras dos fueron fijadas en el siglo XVI por comentaristas italianos:

  • Tiempo (1549, Segni): Basada en la «revolución del sol».
  • Lugar (1550, Maggi): Limitada a una ciudad o entorno cercano.
  • Castelvetro (1570): Convirtió estas tres en normas rígidas para el teatro clásico.

La Comedia

La define como mímesis de hombres inferiores a través de lo risible (feo sin dolor). Aunque gran parte de su teoría sobre la comedia se perdió, influyó a través de gramáticos posteriores como Evantio en De fábula y Elio Donato en De comedia.

Enrique de Villena

Enrique de Villena es una figura clave por ser el autor del «Arte de trovar», considerada la primera documentación en castellano sobre las celebraciones catalanas de la «gaya ciencia» (Prieto, 1993). Aunque en el manuscrito consta la fecha de 1433, existe un debate historiográfico que sitúa su composición mucho antes, entre 1416 y 1417. El tratado, que es en realidad una adaptación del Mirall de trovar de Berenguer de Noya, está dedicado al Marqués de Santillana.

Comienza con una descripción del consistorio de Tolosa, citando a autores como Vidal de Besalú y Berenguer de Noya, lo que demuestra la intención de Villena de difundir y fomentar en Castilla el arte y la técnica de los trovadores provenzales.

La aportación teórica más relevante de Villena es su sentimiento aristocrático de la poesía. Para él, la lírica no es una actividad técnica cualquiera, sino una «sciençia« que cumple una función moral fundamental. Bajo esta perspectiva, establece una distinción tajante entre dos figuras:

  • El Trovador: Definido como un mero artesano del verso. Es aquel que se limita a «hacer ditados» preocupándose solo de la métrica mecánica (la igualdad de las sílabas y la concordancia de los bordones o rimas).
  • El Poeta: Es un concepto que ya apunta hacia el Renacimiento. El poeta no solo domina la técnica, sino que posee ingenio y el don de la gracia divina.

Esta distinción da lugar a su famosa teoría de los «claros ingenios» frente a los «obscuros». Villena lamenta que, por falta de conocimiento doctrinal, en su época no se haga diferencia entre ambos, defendiendo que la verdadera «Rímica dotrina» exige algo más que el simple cómputo silábico: exige talento intelectual y una intención ética superior.

Juan Alfonso de Baena

De su biografía sabemos poco. Juan Alfonso de Baena, de quien se sabe que nació en Marchena o alrededores, se educó en Baena, residió en Osuna, trabajó como escribano del rey y como poeta, y fue judío converso, es el autor del Prólogo al Cancionero de Baena. Esta obra se considera el primer cancionero conocido en Castilla y se inspira en las recopilaciones galaico-portuguesas como el Libro de canciones que el conde de Barcelos, cuando muere en 1350, lega a su sobrino Alfonso XI. Esta fecha se considera el punto de partida de la transmisión del testigo de la primacía poética a Castilla.

Respecto a la fecha de composición, existen diversas teorías recogidas en ediciones contemporáneas (como las de Azáceta o Dutton y González de Cuenca):

  • Azáceta: Propone entre 1425 y 1445 (basándose en las fechas de la familia real de Juan II).
  • Nieto Cumplido: Adelanta la fecha debido a la muerte de Baena (hacia 1432-1435).
  • Brian Dutton y González de Cuenca: La sitúan finalmente entre 1426 y 1430, coincidiendo con los datos del catálogo de El Escorial.

Francisco López Estrada divide el prólogo de Baena en tres partes fundamentales:

  1. Elogio de la historia: Utiliza los prólogos de Alfonso X (General Estoria y Estoria de España) como fuente para defender la utilidad del conocimiento histórico para los gobernantes. Usa el prestigio de la prosa histórica para justificar el cultivo de la lírica.
  2. Vida cortesana: Compara el placer de la lectura de poesía con actividades lúdicas de la corte como torneos, justas o banquetes.
  3. Elogio de la poesía: Define la poesía como fuente de goce (vinculando el término «gaya» con el latín gaudium).

La aportación teórica más relevante de Baena es su concepción de la poesía como una «graçia infusa« (rasgo ya renacentista). Para él, no es solo una técnica, sino un don que Dios influye en el poeta. Finalmente, establece las condiciones que debe poseer el poeta para ser un paradigma de perfecciones humanas: debe ser noble, tener capacidad de invención, discreción, juicio, cultura (conocimiento de historia) y, fundamentalmente, debe estar enamorado. Dado este carácter elevado, su auditorio natural es la corte al completo, incluyendo a los reyes y al príncipe heredero.

Juan del Encina

Juan del Encina publica en 1496 su «Arte de poesía castellana», obra que antecede a su Cancionero. Debido a su dedicatoria (a los Reyes Católicos, a los duques de Alba y al príncipe heredero, don Juan), el tratado adquiere un marcado carácter didáctico, presentándose como una lección dirigida al príncipe.

Encina comienza con un elogio de la poesía apoyándose en autoridades clásicas y cristianas:

  • Clásicas: Cita a Cicerón para defender la poesía como signo de humanidad y algo que distingue a los seres humanos de los animales; alude a los griegos, que le atribuían un origen divino; menciona la capacidad de conmover de Orfeo y justifica su honestidad a través de Sófocles, quien compaginó la poesía con cargos públicos.
  • Cristianas: Recurre a San Jerónimo, recordando que partes del Antiguo Testamento están escritas en verso.

Su tesis principal es la defensa del castellano como lengua vulgar apta para la poesía. Utiliza como autoridad a Nebrija: si este último pudo reducir el castellano a normas gramaticales, Encina pretende hacer lo mismo con la poesía, dado el grado de excelencia que ha alcanzado.

  • Capítulo I: Sitúa el origen de nuestra poesía en Roma y otorga la primacía a la corriente italiana (Dante y Petrarca), anticipándose a la renovación que más tarde culminaría Garcilaso de la Vega. Es muy significativo su silencio absoluto sobre la poesía provenzal.
  • Capítulo II: Encina define la poesía como arte y no como ciencia (separándose de nuevo de lo provenzal).
  • Capítulo III: Establece una jerarquía insalvable entre el trovador (artesano) y el poeta (quien posee ingenio y facultades innatas).

Finalmente, dedica cinco capítulos a la métrica basándose en Nebrija, aunque con una diferencia: Encina se centra en los metros que los poetas castellanos usan realmente. Introduce conceptos clave:

  • Terminología propia: El pie (nuestro verso actual), el verso (nuestra estrofa) y la copla (el poema completo).
  • Medida: Distingue entre arte real (8 sílabas) y arte mayor (12 sílabas), además de tratar la sinalefa y la rima asonante y consonante.
  • Géneros y figuras: Define el villancico (3 versos y uno quebrado), la canción (4 a 6 versos) y el romance (sin número fijo). En retórica, destaca figuras como la metonimia, la sinécdoque y el «encadenado» (anadiplosis).

Alonso López Pinciano: Philosophia Antigua Poetica (1596)

El Pinciano es un erudito con un profundo conocimiento del griego, lo que le permite leer la Poética de Aristóteles en su fuente original, aunque también se apoya en comentaristas italianos como Escalígero, Robortello y Castelvetro. Su obra se estructura en trece epístolas dirigidas a don Gabriel, donde dialoga con sus vecinos Fadrique y Hugo.

Conceptos Generales

Defiende una imitación aristotélica basada en la verosimilitud (lo que puede ser) más que en la simple imitación de modelos. Maneja la teoría de los tres estilos (elevado, medio y llano) y el decoro (adecuación del lenguaje al personaje), siendo flexible incluso con la literatura pastoril. La invención no es de procedencia divina. Incluye rasgos fisiológicos del poeta que proceden del Examen de ingenios de Juan Huarte de San Juan (1575).

La Oscuridad

Aunque aboga por la claridad, distingue cuatro tipos de oscuridad. Rechaza la que procede de la ignorancia del lector o la falta de ingenio del poeta, pero acepta la voluntaria (para elevar el lenguaje con «palabras raras») y la de los libros sagrados (por su sentido alegórico).

Teoría Dramática

  • Tragedia: Exige personajes nobles y acciones graves para lograr la catarsis. Distingue entre la tragedia ética (enseñanza moral) y la patética (placer estético).
  • Comedia: Como novedad, propone una catarsis cómica (limpiar el ánimo mediante la risa). Admite la comedia en prosa y las unidades de tiempo (5 días para tragedia, 3 para comedia).
  • Tragicomedia: La reconoce a propósito del Anfitrión de Plauto por la mezcla de personas graves y ridículas.
  • Actuación: Trata sobre los gestos y vestimenta del actor y recomienda una censura teatral que vigile la moralidad de las obras.
  • Clases: Distingue entre la griega (cómica, satírica, mímica) y la romana (patricios, equestre, pueblo, viles).

Épica y Novela

Define la épica de forma similar a la tragedia (incluyendo una catarsis épica). En cuanto a la novela, la considera una ampliación de la épica; defiende que la versificación no es lo que hace poético a un texto y que el poema épico no ha de atenerse necesariamente a la verdad histórica; pone como ejemplo la Etiópica de Heliodoro (prosa). Condena las novelas de caballería por falta de verosimilitud, salvando solo el Amadís de Gaula.

Teoría sobre la Lírica y los géneros poéticos menores

A la lírica la hace proceder del ditirambo y destaca la importancia de la música. Los géneros poéticos menores son:

  • Sátira: Distingue la griega (representada en escenario) y la romana (escrita para lectura).
  • Mímica y Égloga: No le gusta mucho la égloga por su estilo humilde; en ella engloba la literatura pastoril.
  • Elegía, Epigrama y Apólogo: La elegía para lamentaciones y el epigrama por su brevedad y agudeza.

Luis Alfonso de Carvallo: Cisne de Apolo (1602)

Carvallo representa la corriente de inspiración platónica y espiritualista. Su obra se estructura en cuatro diálogos entre Carvallo, la Lectura y Zoilo. El título hace referencia al emblema del cisne de Alciato, que canta al morir porque vuelve con el dios Apolo.

Defensa de la Poesía

Utiliza el argumento del Dios-Poeta, estableciendo una similitud lingüística entre el griego poeta, el latín factor y el español criador o hacedor.

Verosimilitud y Religión

Para Carvallo, la materia poética puede ser verdadera, fingida (verosímil) o fabulosa. Defiende la ficción mediante un argumento religioso: al igual que las parábolas bíblicas, las ficciones poéticas encubren «cosas divinas». Por ello, valora positivamente la oscuridad, pues considera que el poeta imita a los Santos Profetas al hablar de forma cifrada.

Teoría de los Géneros

  • No reconoce la lírica como género individualizado.
  • Divide la poesía en tres modos: representativo, narrativo y mixto (que dan lugar a la dramática, exegemática y mixta).

Teatro

Tiene en alta consideración el teatro y es favorable a las innovaciones de su tiempo (Lope de Vega). Acepta las comedias de capa y espada, los autos sacramentales y la división en tres jornadas. Para él, la única diferencia real entre comedia y tragedia es que la comedia tiene un final feliz. Define la comedia según Cicerón: «imitación de la vida, espejo de la costumbre e imagen de la verdad».