Plaza de San Pedro, Vaticano

Por Gian Lorenzo Bernini en el siglo XVII, dentro del Barroco italiano. Esta obra maestra de arquitectura urbanística en Roma fue diseñada para impresionar visualmente, utilizando una perspectiva de forma sorprendente y combinando elementos clásicos de manera innovadora. La plaza posee un fuerte simbolismo religioso.

La nueva fachada de la Basílica de San Pedro, diseñada por Carlo Maderno, ocultaba la cúpula de Miguel Ángel. Para corregir este efecto, Bernini alejó el centro de la plaza de la fachada, logrando que la cúpula volviera a ser visible.

Estructura de la Plaza

Bernini dividió la plaza en dos partes principales:

  • Primera parte (más cercana a la basílica): Tiene forma trapezoidal, con el lado más ancho adyacente a la fachada. Esto crea un efecto óptico que magnifica visualmente la fachada.
  • Segunda parte (más alejada): Forma un espacio elíptico con dos grandes brazos semicirculares. Estos brazos están compuestos por imponentes columnatas dóricas, organizadas en cuatro filas que crean tres calles, siendo la central la más ancha. La entrada a la columnata evoca un pequeño templo clásico, con columnas y un frontón triangular. Sobre ellas, 140 esculturas rompen la horizontalidad, generando un efecto teatral y dinámico con el juego de luces y sombras.

En el centro de la plaza se erige un obelisco, flanqueado por dos fuentes simétricas, situadas a 50 metros de las columnatas.

Simbolismo y Evolución

El diseño original de Bernini incluía un tercer brazo para cerrar completamente la plaza y aumentar el impacto visual al entrar. Aunque este brazo no se construyó, en el siglo XX se eliminó una zona de calles medievales para crear la actual Avenida de la Reconciliación.

La plaza simboliza los brazos del Papado acogiendo a toda la humanidad, mostrando a la Iglesia Católica como la única verdadera frente al auge de las iglesias protestantes en el siglo XVII.

La Muerte de la Virgen o Tránsito de la Virgen

Por Caravaggio en el siglo XVII, dentro del Barroco italiano. Encargo original: Iglesia de Santa María della Scala (Roma).

Ficha Técnica y Temática

Este óleo sobre lienzo es la obra de mayor tamaño de Caravaggio. Representa la muerte de la Virgen María, recostada en un banco de madera, rodeada por los apóstoles. El estilo naturalista se evidencia en los personajes, con ropajes humildes, cabellos despeinados y descalzos.

Composición y Estilo

La escena se organiza mediante dos diagonales importantes: una formada por la luz que entra en la escena y otra por la túnica roja de la Virgen. El rostro de María es el más iluminado, atrayendo la atención del espectador y guiando la mirada hacia la derecha del cuadro.

Realismo y Controversia

Caravaggio representa a la Virgen con un realismo crudo, chocante para la época. Presenta vientre hinchado, pies amoratados, piernas descubiertas y la piel verdosa. No aparece con el aura sagrada típica. De hecho, se rumorea que el pintor utilizó como modelo a una mujer ahogada en el Tíber, lo que causó gran escándalo por tratarse de una suicida.

María Magdalena llora con el rostro entre las manos, y los apóstoles muestran gestos de profundo dolor. La fuerza expresiva de la obra se refuerza con colores intensos, como el rojo de la túnica de María y el cortinaje que resaltan.

Impacto y Legado

Debido a su tratamiento tan realista del tema religioso, la obra fue rechazada por la iglesia que la había encargado. Finalmente, fue comprada por Pablo Rubens.

La Ronda de Noche

Por Rembrandt en el siglo XVII, pintura barroca holandesa.

Ficha Técnica y Temática

Este óleo sobre lienzo de dimensiones monumentales fue encargado para decorar la sede del gremio de arcabuceros. Representa el momento en que la milicia urbana, liderada por el Capitán Frans Banning Cocq, se dispone a patrullar la ciudad para protegerla de posibles ataques de los Tercios españoles. La escena muestra al capitán dando una orden a su teniente, un gesto visible en su mano extendida y boca abierta. Aunque la milicia estaba compuesta por 30 miembros, solo 16 pagaron por aparecer en el cuadro, lo que explica la distribución de las figuras.

Título y Contexto Lumínico

Aunque la obra es conocida como La Ronda de Noche, en realidad la escena transcurre de día. El aspecto oscuro se debe a un barniz envejecido. Originalmente, su título era La Milicia del Capitán Frans Cocq. El ambiente es dinámico, con elementos ruidosos como un tambor y un perro ladrando, lo que aporta realismo y movimiento.

Composición y Estilo

La escena, aunque aparentemente desorganizada, está cuidadosamente estructurada. Hay un eje central marcado por el capitán, y dos ejes verticales a los lados, además de dos diagonales que guían la mirada hacia el centro. Esta estructura confiere una gran sensación de acción y profundidad.

Rembrandt demuestra un dominio excepcional del realismo, captando con precisión las expresiones y posturas de los personajes. Utiliza una pincelada suelta y otorga mayor importancia al color que al dibujo. Destaca el uso del tenebrismo, influenciado por Caravaggio, con fuertes contrastes de luz y sombra. La iluminación está organizada por planos de profundidad y se apoya en una perspectiva aérea, haciendo que algunas figuras parezcan más lejanas por su difuminación.

Detalles y Recepción

Además, hay un cuidado especial en los detalles: la luz se refleja en los metales, y las texturas de los ropajes están minuciosamente trabajadas, como en la banda del capitán, el uniforme del teniente o el vestido de la niña con el gallo (símbolo del grupo). Algunos historiadores creen que la niña es un retrato de su esposa difunta.

Aunque es una de sus obras más famosas, en su tiempo generó una reacción negativa, lo que, junto con la muerte de su esposa, marcó un momento difícil en la vida de Rembrandt.

La Piedad

Por Gregorio Fernández en el siglo XVII, de imaginería barroca, escuela castellana. Esta escultura de bulto redondo se encuentra actualmente en el Museo Nacional de Escultura, Valladolid.

Ficha Técnica y Contexto

Esta escultura fue creada para un paso procesional y originalmente formaba parte de un conjunto que incluía a San Juan, María Magdalena y los dos ladrones crucificados. Fue encargada por la Cofradía de las Angustias para las procesiones de Semana Santa.

Composición Innovadora

A diferencia de otras representaciones tradicionales de la Piedad, como la de Miguel Ángel, que utilizan una composición simétrica y piramidal, Gregorio Fernández rompe con esta tradición y emplea una composición en diagonal, típica del estilo barroco, que aporta mayor movimiento y dramatismo a la escena.

Características Estilísticas

Esta obra es una de las mejores muestras del arte de Gregorio Fernández. Se caracteriza por:

  • Un realismo muy acentuado, visible en los detalles del cuerpo de Cristo.
  • Una expresividad emotiva y dramática, con un fuerte patetismo.
  • Una representación detallada del sufrimiento físico, con llagas y heridas sangrantes. Para lograr este efecto, utilizó la técnica del encarnado (pintura sobre madera que simula el tono de la piel) y heridas realizadas con corcho pintado.

Los pliegues de los ropajes son rígidos, cortantes y acartonados, una característica típica del escultor. Esta rigidez, junto con los contrastes lumínicos, potencia aún más el dramatismo de la escena.

Legado de Gregorio Fernández

Gregorio Fernández es uno de los grandes referentes de la escultura barroca castellana. Es especialmente conocido por sus imágenes para pasos procesionales. Entre sus obras más destacadas se encuentran sus Cristos yacentes.

La Rendición de Breda

Por Diego Velázquez en el siglo XVII, Barroco español, perteneciente a la segunda etapa madrileña del autor. Originalmente encargada para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, se encuentra actualmente en el Museo del Prado, Madrid.

Ficha Técnica y Temática

Este óleo sobre lienzo representa un momento simbólico de la historia: la entrega de las llaves de la ciudad de Breda (Países Bajos), cuando las tropas de Felipe IV, comandadas por el general Ambrosio Spínola, tomaron la ciudad. En la escena se muestra al derrotado Justino de Nassau entregando las llaves a Spínola, en un gesto de respeto y dignidad.

Composición Maestra

Velázquez organiza la escena con una composición en forma de aspa (X). En el centro, sitúa el gesto principal: la entrega de las llaves, que simboliza la victoria. A cada lado, se observan dos grupos de soldados:

  • A la derecha, el grupo español, compacto y firme, con sus largas picas; se incluyen retratos de personajes reales e incluso un posible autorretrato de Velázquez.
  • A la izquierda, el grupo holandés, menos compacto y sin la fuerza visual del grupo español, lo que marca la diferencia entre vencedores y vencidos.

Ambos grupos forman un “paréntesis” visual que encuadra la escena principal.

Luz y Perspectiva

Detrás de los protagonistas, Velázquez representa el campo de batalla con una luz brillante y plateada que aporta profundidad. Utiliza la perspectiva aérea para dar sensación de distancia y atmósfera. El paisaje, el soldado holandés de espaldas y el caballo en diagonal contribuyen a la sensación de profundidad.

Color y Pincelada

La obra destaca por el uso de colores armónicos y fluidos, como en la banda de Spínola o la chaqueta del soldado holandés de espaldas. Las pinceladas sueltas y quebradas son una característica muy típica de la segunda etapa madrileña de Velázquez.

Las Meninas

Óleo sobre lienzo de grandes dimensiones realizado por Diego Velázquez en el siglo XVII, Barroco español, durante la etapa final del autor. Se encuentra actualmente en el Museo del Prado.

Ficha Técnica y Escenario

El cuadro representa una escena de la Corte de Felipe IV, desarrollada en el Cuarto del Príncipe del antiguo Alcázar de Madrid.

Personajes y Narrativa

Todos los personajes están identificados con precisión:

  • En el centro, la infanta Margarita.
  • A su derecha, Agustina Sarmiento, que le ofrece un búcaro (vasija de barro con agua).
  • A su izquierda, Isabel de Velasco, que hace una reverencia hacia los reyes, reflejados en el espejo del fondo.
  • Detrás de Agustina está Velázquez, autorretratado mientras pinta, con la cruz de la Orden de Santiago en el pecho, que fue añadida más tarde.
  • En segundo plano a la derecha, se encuentran la dama de honor Marcela de Ulloa y el guardadamas Diego Ruiz de Azcona.
  • En primer plano, aparecen Maribárbola y Nicolasito Pertusato, quien tiene un pie sobre un perro.
  • Al fondo, en la puerta, está el aposentador José Nieto, que parece abrir las puertas a los reyes.

Es un cuadro barroco porque captura un instante fugaz: el momento en que los reyes entran en la sala. Otra interpretación sugiere que Velázquez está pintando a los reyes y la infanta Margarita y su séquito irrumpen en la escena.

Luz y Espacio

El primer plano está muy iluminado por la luz natural que entra desde la ventana derecha, resaltando a la infanta, cuyo cuerpo parece flotar. Las figuras del segundo plano están en penumbra, mientras que un segundo foco de luz al fondo ilumina al aposentador. Además, el espejo del fondo, donde se reflejan los reyes, crea un efecto espacial que sitúa al espectador dentro del cuadro.

Técnica y Estilo

Velázquez utiliza una pincelada suelta y empastada, visible en los vestidos y detalles, lo que anticipa el impresionismo. Emplea tonos plateados y dispersa toques de color por todo el lienzo: la cruz de Santiago, la paleta del pintor, el búcaro, el pañuelo de la infanta o el rojo del traje de Nicolasito. Lo más destacado es la sensación atmosférica, lograda mediante la perspectiva aérea, que confiere profundidad al cuadro. Los personajes del fondo aparecen difuminados, rodeados por el aire, y sus contornos son menos definidos.

El Modernismo y la Obra de Gaudí

Definición y Contexto del Modernismo

El Modernismo fue un estilo artístico de finales del siglo XIX, de gran importancia en países como Francia, Italia, Gran Bretaña y, especialmente, en Cataluña (España). Fue apoyado por la burguesía industrial, que buscaba una arquitectura original y estética, diferente de la arquitectura del hierro, que consideraban vulgar.

Características Generales del Estilo

Este estilo se preocupaba más por la belleza que por lo técnico. Se inspiraba en la naturaleza, con formas curvas, decoraciones coloridas y edificios que parecían “vivos”. Aunque utilizaba materiales modernos como el hormigón armado, siempre cubría las estructuras con una decoración muy detallada, como mosaicos, vidrios y hierro forjado.

Antonio Gaudí: Maestro del Modernismo Catalán

En España, el Modernismo se desarrolló sobre todo en Cataluña, y su mayor representante fue Antonio Gaudí.

Características del Estilo de Gaudí

Las características del estilo de Gaudí incluyen:

  • Un enfoque personal, original y con gran imaginación, cercano al expresionismo y surrealismo.
  • Inspiración en la naturaleza, con formas de plantas, animales, curvas y espirales.
  • Influencias del gótico y la arquitectura islámica (especialmente en el uso de la luz y los azulejos).
  • El uso de cerámica rota (trencadís) para decorar e innovación con nuevos materiales.
  • Fue un artista muy religioso, sobre todo en sus últimos años.

Su gran mecenas fue Eusebio Güell, quien le encargó muchas de sus obras.

Etapas y Obras Clave de Gaudí

  • Primera etapa (siglos XIX-XX): Estilo más clásico y recto, aunque ya con toques originales. Ejemplos: Casa Vicens, El Capricho, Palacio Güell.
  • Segunda etapa (siglo XX): Estilo más colorido, escultórico y libre. Ejemplos: Parque Güell, Casa Milà (La Pedrera), inicio de la Sagrada Familia.
  • Última etapa (siglo XX): Se dedicó completamente a la Sagrada Familia, su gran obra. Es una iglesia enorme, con tres fachadas, numerosas torres y un profundo simbolismo religioso. Posee forma de cruz latina, un interior que evoca un bosque de columnas y múltiples símbolos cristianos. La Sagrada Familia es considerada una de las obras más importantes y originales de toda la arquitectura moderna.

Los Fusilamientos del 3 de Mayo

(siglo XIX) es una pintura al óleo de grandes dimensiones realizada por Goya y que se encuentra en el Museo del Prado.

Ficha Técnica y Propósito

Fue pintada tras recibir permiso para representar los hechos de la Guerra de Independencia. Sus dos objetivos principales eran:

  • Mostrar el horror que le causó la guerra.
  • Defenderse de las acusaciones de ser “afrancesado”, demostrando su apoyo al pueblo español.

Contexto Histórico y Temática

El cuadro representa los fusilamientos del pueblo de Madrid por parte del ejército francés, en la Montaña del Príncipe Pío, como consecuencia del levantamiento del 2 de mayo.

Los protagonistas son personas anónimas, el pueblo que muestra distintas reacciones ante la muerte, mientras que los soldados parecen una máquina de matar, sin rostro ni emociones. La escena se vuelve más dramática por la oscuridad de la noche y la luz intensa de un farol, que ilumina al personaje central.

Simbolismo y Estilo

Goya denuncia la violencia cruel y organizada del ser humano. Es un ejemplo claro del Romanticismo, por mostrar emociones extremas y personajes comunes. También anticipa el expresionismo, con deformaciones que expresan dolor y angustia, sobre todo en los ojos y las bocas.

Composición y Color

La escena se divide en tres partes, que muestran el proceso del fusilamiento:

  • Prisioneros: Avanzan hacia la muerte.
  • Grupo frente al pelotón: El personaje central se entrega con los brazos abiertos, como Cristo (incluso tiene una mano herida), mientras otro se tapa la cara con miedo.
  • Cadáveres: Ya fusilados, uno de ellos también con los brazos abiertos.

Goya da más importancia al color y la luz que al dibujo. Utiliza colores cálidos como el blanco de la camisa, el amarillo del pantalón y el ocre del suelo. La sangre en el suelo destaca con un fuerte rojo, aumentando el dramatismo de la escena.