Historia de la fotografía y el cine

Pioneros y antecedentes

Athanasius Kircher (siglo XVII, Alemania). Creador de la linterna mágica como precedente para los proyectores cinematográficos. En 1643 escribe el libro Ars magna lucis et umbrae (El gran arte de la luz y la sombra).
  • Uno de los capítulos más destacables, denominado Magia Lucis et Umbrae (Magia de la luz y las sombras), explica la construcción y el uso de la linterna mágica. En él se habla de la luz y las sombras dividiéndola en tres partes: la horográfica, la parastática y la catóptrica.
  • En la última parte del texto describe un aparato denominado como linterna mágica. Este invento es la aportación más importante de Kircher al mundo del cine y la fotografía, puesto que sentó un precedente para la proyección fílmica.
  • La linterna mágica: usaba dibujos en su interior, iluminados con luz que se dirigía hacia el orificio de la cámara para que la imagen saliera por allí y se proyectara en una superficie oscura. Otra innovación fue el uso de un cilindro a modo de lente para direccionar la luz sobre la superficie de proyección.
Peter Mark Roget (Londres 1779-1869). En 1824 dio los primeros pasos para la explicación científica y la realización técnica del dibujo animado: observó una ilusión óptica al mirar a través de las separaciones verticales de una persiana veneciana.
  • El 9 de diciembre de 1824 comunicó su trabajo en la Royal Society con el título Explanation of an optical deception in the appearance of the spokes of a wheel when seen through vertical apertures (Explicación de una ilusión óptica en la apariencia de los radios de una rueda al ser vista a través de mirillas verticales), publicado en 1825.
  • Aunque su explicación no era del todo correcta, su consideración de la ilusión del movimiento fue importante en la historia del cine y probablemente influyó en el desarrollo del taumatropo, el fenaquistiscopio y el zoótropo.
Juguetes ópticos principales: taumatropo (1825), fenaquistiscopio (1832), zoótropo (ca. 1834-1867), disco de Newton (1680), praxinoscopio.

Animación temprana

Émile Reynaud (1844-1918), considerado padre de la animación e inventor de los dibujos animados. En 1877 crea el praxinoscopio, un zoótropo mejorado que permitía una mayor calidad de movimiento. Preparó en París el espectáculo llamado Théâtre Optique, patentado en 1888, y proyectó sus Pantomimas luminosas entre 1892 y 1900.
  • Coloreaba figuras sobre una gelatina transparente de 70 mm llamada Cristaloid, protegida por una película de goma-laca.
  • Ideó la perforación de la película para el arrastre mecánico. Las Pantomimas luminosas fueron un éxito en París, con dobles pases diarios en el Teatro Grévin.

Avances técnicos en fotografía y cronofotografía

1888, Kodak fabrica carretes de película enrollable, lo que permitió profundizar los estudios sobre locomoción humana y animal de Étienne-Jules Marey y Eadweard Muybridge. Gracias a ello se logró averiguar la secuencia de movimientos de las patas de un caballo al galope, tema de debate en la época.
Étienne-Jules Marey (n. 1830, Beaune, Francia). Médico, investigador y fotógrafo.
  • Produjo grandes avances en la ciencia y la imagen, como la cronofotografía, que permitía congelar pasos de humanos, caballos, insectos y aves. Creó el «rifle fotográfico» capaz de capturar doce imágenes por segundo.
  • En 1882 sustituyó su rifle por una cámara de cronofotografía de placa fija con obturador controlable. Más tarde reemplazó la placa de cristal por una tira de papel fotosensible que se movía automáticamente mediante un electroimán; finalmente el negativo sustituyó al papel, permitiendo copias múltiples.
Eadweard Muybridge. Fotógrafo inglés, reconocido por sus contribuciones al análisis del movimiento de personas y animales.
  • Mejoró procesos fotográficos y realizó la serie The Horse in Motion. En 1879 inventó el zoopraxiscopio.
  • En la Universidad de Pensilvania tomó miles de fotografías sobre locomoción humana y animal. En 1887 se publicó la colección Animal Locomotion: an Electro-Photographic Investigation of Connective Phases of Animal Movements.

Invención del cinematógrafo y primeras proyecciones

Los hermanos Lumière (hijos del fotógrafo Antoine Lumière) crearon el cinematógrafo, dispositivo que permitía la toma, proyección y copiado de imágenes en movimiento.
  • La primera presentación fue el 28 de diciembre de 1895 en París, con una serie de imágenes documentales recordadas por la escena de los trabajadores saliendo de la fábrica y la del tren en la estación de La Ciotat, que provocó pavor entre los espectadores.
  • Las primeras películas tenían un carácter mayormente documental.
Louis Aimé Augustin Le Prince (1842-1890). Artista e inventor francés, considerado por muchos como el verdadero inventor del cine. Realizó sus primeras imágenes en movimiento en octubre de 1888: Roundhay Garden Scene, de apenas dos segundos de duración.

Cineasta espectáculo y efectos

Georges Méliès, fundador del cine de fantasía y uno de los pioneros del cine como espectáculo.
  • En 1897 manda construir uno de los primeros estudios cinematográficos en Montreuil-sous-Bois, con paredes y techo de cristal para aprovechar la luz solar.
  • La decisión de rodar en estudio con técnicos y actores marcó la profesionalización del cine. Con su compañía Star Film pasó a la historia como creador del cine-espectáculo.
  • Supo integrar elementos teatrales (vestuario, actuaciones, escenarios, maquillaje). Entre sus películas más recordadas están El viaje a la Luna (1902) y Viaje a través de lo imposible. También realizó adaptaciones literarias como El viaje de Gulliver.
  • Su sistema fue perfeccionado por Charles Pathé. En 1902 Pathé adquirió patentes de los hermanos Lumière, diseñó cámaras de estudio, nuevos equipos, instalaciones de procesado y una comercialización y distribución agresivas que le permitieron dominar gran parte del mercado internacional.
Léon Gaumont, otro pionero del cine francés y competidor de Pathé. Comenzó con noticiarios (Actualités) y terminó por producir filmes estéticos. Su compañía inicialmente vendía aparatos fotográficos y, en 1897, empezó a producir cortos para promocionar su proyector. De 1905 a 1914, sus estudios «Cité Elgé» estuvieron entre los más grandes del mundo.

Innovadores técnicos y trucajes

Segundo de Chomón (1871-1929), cineasta español, pionero del cine mudo y técnico de trucajes.
  • Se le atribuye el desarrollo del «paso de manivela» (stop-motion), cuyo uso culmina en El hotel eléctrico (1908) para Pathé.
  • Utilizó travelling sobre plataformas, coloreado de películas y efectos como maquetas, efectos Schüfftan, doble exposición, sobreimpresiones, pirotecnia y escamoteos.
  • Contribuyó a crear una industria cinematográfica nacional española con etapas barcelonesas y películas populares (melodramas, zarzuelas, dramas históricos y comedias).
Alice Guy-Blaché. Cineasta, productora y guionista francesa, identificada como la primera mujer directora y pionera del cine narrativo. En 1884 fue contratada como secretaria por Léon Gaumont.
  • Gaumont perfeccionó la cámara de 60 mm. Alice, a los 23 años, propuso contar pequeñas historias con el cinematógrafo y se ofreció a demostrarlas para atraer compradores del aparato.
  • Alrededor de mayo de 1896 filmó su primera película La Fée aux Choux (El hada de los repollos), de la cual escribió el guion y produjo el proyecto.
  • Fue pionera en efectos especiales, ciencia ficción fílmica, lenguaje cinematográfico (planos, iluminación, attrezzo, montaje, caracterización) y en la figura del productor ejecutivo.
  • Incursionó en casi todos los géneros: melodrama, comedia, acción y western. Rodó más de 1000 películas, fundó productoras en Francia y EE. UU. y luchó por su reconocimiento internacional.

La Escuela de Brighton y el lenguaje cinematográfico

La Escuela de Brighton fue un grupo de cineastas y fotógrafos ingleses que contribuyeron al lenguaje cinematográfico en Brighton.
  • William Friese-Greene, que patentó un aparato «destinado a tomar fotografías en series rápidas».
  • Robert William Paul, que construyó en 1894 una imitación del cinestoscopio; al año siguiente hizo una cámara portátil para producir sus propias películas.
  • Estos realizadores, en su mayoría provenientes de la fotografía, ayudaron a alejar el cine de las representaciones teatrales y a construir una sintaxis cinematográfica propia.
Algunas aportaciones de la Escuela de Brighton y contemporáneos:
  • Primer plano.
  • Montaje como elemento narrativo (fragmentación de una escena en diferentes planos).
  • Sobreimpresión.
  • Montaje paralelo.
  • Invención del Kinemacolor, primer sistema de cine cromático.
  • Movimientos de cámara que capturan diferentes puntos de vista.
  • Travellings.
  • Plano–contraplano.
  • Persecuciones y asuntos realistas.
  • Escenarios realistas (calles, playas, jardines).
  • Uso temprano de técnicas como el Chroma Key.

Desarrollo en Estados Unidos: Edison y Porter

Thomas Alva Edison, inventor y empresario estadounidense, impulsó tecnologías clave para el cine.
  • El quinetoscopio era una máquina en forma de caja con una cinta que pasaba delante de una luz eléctrica; permitía ver imágenes en movimiento individualmente, a diferencia del cinematógrafo que ofrecía proyección colectiva.
  • En asociación con William K. L. Dickson, Edison construyó el kinetógrafo y el quinetoscopio; el kinetógrafo es considerado antecedente de la cámara cinematográfica.
Edwin S. Porter, pionero del cine estadounidense, trabajó en los estudios de Edison y consolidó la técnica narrativa a principios del siglo XX.
  • Fue ayudante de cámara y luego jefe de estudio (1902-1909). Con Porter se afianzó la técnica narrativa del cine.
  • En 1902 filmó Life of an American Fireman (Vida de un bombero americano), considerada pionera en montaje paralelo.
  • En 1903 estrenó Asalto y robo de un tren, que inició el género western y puede considerarse la primera obra importante con argumento de ficción del cine estadounidense.
▪ Su última escena, un primer plano de un pistolero disparando hacia el espectador, causó una impresión parecida a la que provocó el tren de los hermanos Lumière.

David W. Griffith y la consolidación del lenguaje cinematográfico

David W. Griffith. Su punto de partida para el cine estadounidense fue The Birth of a Nation (El nacimiento de una nación) en 1915. Reunió y sistematizó recursos narrativos desarrollados previamente.
Aportaciones de Griffith al cine:
  • Punto de vista de la cámara: cambia la posición de la cámara dentro de una escena para variar el punto de vista.
  • Primer plano: lo utiliza como lenguaje fílmico para analizar el gesto y las actitudes íntimas de los intérpretes.
  • Planos generales de gran alcance: para recoger panorámicas con valor espectacular y dramático.
  • Iluminación con fines dramáticos: uso de lateralidad y claroscuro en lugar de iluminación uniforme.
  • Recursos técnicos como iris, cortinas, fundidos, flou y sobreimpresiones para fragmentar y enfatizar elementos en el plano.
  • Variadas formas de raccord a través de objetos, miradas y gestos.
  • Uso del flash-back.
  • Énfasis en la importancia de los intérpretes y en el análisis de gestos sutiles.

Montaje

La aportación fundamental del montaje es su capacidad para organizar acciones paralelas, simultaneidad de tiempo y espacio.
  • Técnica del montaje paralelo: dos o más escenas que ocurren en escenarios o momentos distintos y se muestran de forma intercalada para sugerir simultaneidad.
  • Montaje alterno: yuxtaposición de acciones que ocurren en un mismo momento pero mostradas alternadamente.

Hitos en el mundo sonoro

Thomas A. Edison y otros inventores trabajaron en adaptar el gramófono y otros aparatos para incorporar sonido a las imágenes en movimiento, con resultados limitados al principio.
Problemas principales del sonido en el cine:
  • Mantener la sincronía entre imagen y sonido.
  • Amplificar el sonido para que pudiera oírse en una sala.
  • El tiempo máximo por disco de gramófono solía ser de unos 5 minutos.
Inventos de la época: zoopraxiscopio, kinetófono, fonocineteatro.
Kinetófono: dispositivo de Edison y Dickson para unificar imagen y sonido; buscaba sincronizar la película del quinetoscopio con el fonógrafo.
Experimentos para añadir sonido:
  • Grabar el sonido directamente en la película.
  • Grabar el sonido en discos que se reproducían sincronizados con la película.
Photo-kinema, inventado por Orlando Kellum, se utilizó alrededor de 1921; grababa el sonido en un disco similar a un vinilo que se reproducía simultáneamente con la película. D. W. Griffith lo usó para secuencias de canto y efectos en La calle de los sueños (1921).
Tri-Ergon (1919): incorporaba el sonido como una banda lateral en la propia película fotográfica, facilitando la sincronización.
Phonofilm (Lee de Forest, 1920): sistema que inscribía el sonido en la misma película en la que estaba la imagen.
Vitaphone: sistema que grababa la banda sonora en discos separados sincronizados con la proyección. Películas como Don Juan (1926) y El cantante de jazz (1927) usaron este sistema.
Movietone: uno de los primeros sistemas en grabar sonido directamente en la película, eliminando problemas de sincronización. Se usó en películas de la Fox como El precio de la gloria (1927).
La época mono: entre finales de los años 20 y los 30, las películas usaban sonido mono (un único canal de audio).
Fantasound: sistema creado para Fantasía (1940) de Disney; se utilizó solo en 14 cines en EE. UU.
Cinerama (1952): sistema multicanal con hasta 7 canales.
Cinemascope: empleó pistas magnéticas para crear cuatro canales de sonido; ejemplo: La túnica sagrada (1953).
Dolby (1966) y su uso destacado en La naranja mecánica (1971).
Sensurround: sistema para amplificar bajas frecuencias; ejemplo: Terremoto (1974).
Dolby Stereo: codificaba cuatro canales en dos pistas grabadas en la película. Ejemplos: Ha nacido una estrella (1976), Star Wars (1977).
Sonido 5.1: configuración envolvente aplicada a pistas magnéticas de filmes en 70 mm. Ejemplo: Apocalypse Now (1979).
Dolby Digital: banda sonora digital 5.1 con pista analógica de seguridad; ejemplo: Batman Returns (1992).
Dolby DTS: banda sonora en CD-ROM separado sincronizado con la película; ejemplo: Parque Jurásico (1993).
Dolby SDDS: hasta ocho canales (cinco frontales, dos laterales surround y un canal de graves); ejemplo: El último gran héroe (1993).
Dolby Surround 7.1: añade dos canales surround traseros; primera película en usarlo: Toy Story 3 (2010).
Barco Auro 11.1 (2012): añade una capa de cinco canales de altura al 5.1 tradicional para mayor inmersión; ejemplo: Red Tails.
3D Dolby Atmos: sistema actual de Dolby usado en películas como Gravity (2013), El Hobbit (2012-2014) y La vida de Pi (2012).
La televisión japonesa NHK ya cuenta con salas de prueba que proyectan películas en 8K con sonido surround 22.1.

Cine a color

En 1909, en el teatro Palace-Varieté de Londres, se proyectaron por primera vez películas en color gracias al sistema Cinemacolor, inventado por George A. Smith, que empleaba dos colores: rojo y verde.
Más tarde llegó el Technicolor (comienzos en 1916), mejorado hasta desarrollar el procedimiento tricromático (rojo, verde y azul) que exigía una triple impresión fotográfica. Curiosamente, la primera película completa filmada con este sistema fue un corto de animación de Walt Disney, Flowers and Trees (1932), dirigido por Burt Gillett.
En 1935 se estrenó el primer largometraje rodado con el sistema tricromático: The Gay Divorcee / La feria de las vanidades (1935) de Rouben Mamoulian. A partir de entonces, el uso de Technicolor se generalizó en musicales y grandes producciones como El mago de Oz, Cantando bajo la lluvia, Las aventuras de Robin Hood, Blancanieves y los siete enanitos y Niágara.

La industria cinematográfica

El cine comenzó como entretenimiento de feria pero rápidamente se convirtió en una industria floreciente gracias a innovaciones como las de los hermanos Lumière. La producción de películas es costosa y compleja, lo que llevó a la creación de una infraestructura industrial para su realización.
Thomas Harper Ince fue un actor, guionista, productor y director estadounidense conocido por su estilo riguroso de producción basado en planificación y supervisión. Fundó estudios organizados (Inceville) y aplicó una organización similar a la de Henry Ford, impulsando el sistema de estudios que rigió buena parte del siglo XX.
El modelo productivo del cine se basa en tres pilares: producción, distribución y exhibición. La producción organiza recursos; la distribución promociona y distribuye la película; la exhibición decide los estrenos. La llegada de plataformas en línea (por ejemplo, YouTube) ha transformado radicalmente este modelo.
En los inicios de la industria cinematográfica estadounidense, Nueva York fue epicentro; con el tiempo Hollywood se impuso por su clima y ubicación, convirtiéndose en el centro industrial del cine. En los años 20 ya se fabricaban estrellas mediante el Star System, contratación en exclusividad y a largo plazo por los estudios.
  • Adolph Zukor creó un sistema de clasificación de películas según la fama y el sueldo de los actores.
  • La concentración de empresas productoras, distribuidoras y exhibidoras impulsó la formación de grandes estudios, como Paramount (resultado de fusiones desde 1912).
  • En la década de 1930 se consolidó el sistema de los grandes estudios (MAJORS).
  • En los años 40 surgieron productores independientes; en los 50 muchas estrellas tenían sus propias productoras.
Finales de los años 40: dos cambios principales:
  • 1948: Sentencia del Tribunal Supremo de EE. UU. contra ocho productoras por violar la Ley Antimonopolio, obligando a separar producción y exhibición; actores y técnicos se liberaron gradualmente de sus contratos exclusivos.
  • La invención de la televisión: provocó una fuerte conmoción en la industria, que respondió con novedades tecnológicas.
Respuestas tecnológicas del cine:
  • Perfeccionamiento del cine en color (Technicolor tricromático).
  • Sonido estereofónico (ej.: Fantasound en Fantasía).
  • Formatos panorámicos y espectaculares (VistaVision, Todd-AO, Scope, Cinerama) hasta la digitalización.
La industria también comenzó a realizar telefilmes y a vender catálogos para televisión. En los años 60 la mayoría de las series de televisión se producían en Hollywood.
En los años 70 se produjo el Renacimiento de Hollywood, con una nueva generación de directores formados en escuelas de cine: Francis Ford Coppola, George Lucas, Brian De Palma, Martin Scorsese y Steven Spielberg, que combinaron homenaje y renovación de géneros y técnicas.
▪ El enorme éxito de Coppola, Spielberg y Lucas con El padrino, Tiburón y La guerra de las galaxias ayudó a establecer el concepto moderno de cine comercial o mainstream.
A finales de los 80 y principios de los 90 se revitalizó el cine independiente estadounidense con otra nueva generación de cineastas (ej.: Quentin Tarantino y Reservoir Dogs).

Impacto de la informática y efectos digitales

  • En la creación de películas como La guerra de las galaxias (1977) de George Lucas, los ordenadores alcanzaron un gran desarrollo y aplicación.
  • 1993: Jurassic Park causó gran impacto por sus efectos digitales.
  • Posteriormente, tecnologías avanzadas permitieron producciones como Titanic, Matrix, Pearl Harbor, El señor de los anillos y Avatar, además del desarrollo del 3D.

Cine digital

Cine digital (Cine D): tecnología de proyección que reemplaza al proyector tradicional por uno digital para proyectar una versión computarizada de la película. Se caracteriza por alta resolución de imagen.
Los comienzos del cine digital datan de los años 80, conocido como «Cine Electrónico». Sony fue de las primeras empresas en comercializar el concepto de cine digital a finales de los 80 con cámaras HDTV analógicas.