La Construcción Secuencial y el Lenguaje Cinematográfico

La Construcción Secuencial en los Inicios del Cine

El cine, en sus primeros años, tuvo unas limitaciones técnicas que no permitían una construcción secuencial al no tener una capacidad mayor de 24 segundos por toma.

La capacidad de los proyectores fue aumentando y las películas adquirieron mayor complejidad.

El modelo europeo no terminaba de contar la historia sin cambiar de toma, mientras que el modelo estadounidense utilizaba tomas que no duraban más de dos segundos. En el modelo europeo, los actores gesticulaban enormemente; el estadounidense utilizaba menos gesticulación.

Mecanismos de Cohesión y Continuidad

Los mecanismos de cohesión buscan dar continuidad al relato visual.

  • Mecanismo de continuidad escalar: Iniciar con una imagen que esté en uno de los extremos de la escala (plano general o primer plano).
  • Introducción de un Inserto: Un golpe visual para enfatizar la importancia de un elemento.
  • Cierre de la secuencia: Con un salto violento a primer plano, haciendo un golpe visual.

Enlaces entre Secuencias y Recursos de Transición

La secuencia es una unidad de espacio-tiempo.

Los enlaces entre secuencias utilizan diversos recursos:

  • Recurso del fundido: La imagen se desvanece a negro o blanco, o viceversa.
  • Encadenado: Superponer la imagen final de la secuencia 1 y la imagen inicial de la secuencia 2.
  • Barrido: Una imagen cede paso a la siguiente mediante un movimiento lateral o vertical.
  • El iris: Lo asociamos mucho al cine mudo. Cerramos una secuencia de forma circular.

Los saltos en el tiempo se pueden representar con una imagen de desvanecimiento para conectar presente y pasado.

Sistemas de Montaje

Existen diferentes sistemas de montaje:

  • Montaje continuo: Busca la fluidez narrativa y la invisibilidad de la técnica.
  • Montaje en paralelo: Cuando dos acciones son simultáneas en espacios distintos, se cohesionan y confluyen en un determinado punto. Se utiliza para aumentar la tensión rítmica. Fue revolucionario porque trabaja con una asociación espacio-tiempo dinámica.

El Cine como Arte de Síntesis e Interconexión

El cine no solo toma en préstamo elementos de otras manifestaciones artísticas, sino que los integra, llegando más allá de la mera copia. Puede tomar elementos de la música, la literatura, etc.

Generó una enorme fascinación en los cenáculos vanguardistas. El cine es el arte de síntesis, capaz de aunar literatura, danza, poesía, mitología. Creamos un espacio de ensoñación.

La idea de que la obra debe centrar la atención del espectador y oscurecer la sala favorece al cine narrativo.

En una sala iluminada, el espectador tiende a distraerse y reflexionar sobre lo que está viendo. Esto crea una dicotomía entre cine de reflexión frente a cine de ensoñación.

El espectador sentado alude a la comodidad frente a una pantalla.

La Polyvisión o multiplicidad de pantallas se asocia al cine comercial de vanguardia experimental, utilizando, por ejemplo, tres pantallas para jugar con los colores.

Relación del Cine con Otras Artes

Cine y Poesía

Comienza a aparecer un discurso que intenta romper este espacio de exhibición tradicional, buscando trasladar recursos lingüísticos al ámbito cinematográfico y al revés.

Aparecen todos los elementos generales de movimiento de cámara.

No se trata de copiar la estructura poética, sino de trasladar la estructura al cine. Utilizan la sinestesia visual, imágenes que, al asociarse, traducen determinados elementos de sonoridad.

Cine y Fotografía

Figuras clave en la relación entre cine y fotografía:

  • Muybridge: Estudió el movimiento animal y humano a través de distintas imágenes. Se asocia con los inicios de la cinematografía, ya que sus fotos delataban cosas que el ojo humano no veía.
  • Marey: Realizó sucesivas tomas de una pelota rebotando y las unió en una única foto que muestra las parábolas.
  • Edgerton: Superpuso imágenes en movimiento en una única imagen.

Se crean dos tipos de experiencias:

Si tomamos varias perspectivas y las ponemos en sucesión (sucesión de las fases de movimiento), se crea un efecto visual increíblemente rítmico, permitiendo una serie de variaciones.

Cine y Música

La relación entre música y cine está presente desde antes del cine sonoro. En los años 20, el discurso entre música y cine llevó a plantear el cine atonal o trabajar con música preexistente.

Plantearon varias claves para abordar este discurso:

  • La música puede funcionar de manera autónoma.
  • La parte visual asociada (imagen-música) debe establecer un diálogo.
  • Crear una obra autónoma donde el elemento sonoro se puede usar o no.
  • La imagen visual funciona de manera distinta a la parte sonora.

Ejemplos de esta relación incluyen la sensación de opresión sonora en el espectador o la placidez visual de un plano general reforzada con el acompañamiento musical.

La Musealización del Cine y la Fotografía

El Fenómeno de la Musealización (1920-1930)

El primer fenómeno de musealización lo vivió el cine y poco después la fotografía.

Dos grandes fenómenos explican este proceso en el periodo 1920-1930:

Musealización de la Fotografía

Se establecieron parámetros muy concretos, como podía ser la fotografía antropológica o arqueológica. La afición de aristócratas por coleccionar fotografía fue relevante.

Aunque el cine mudo era considerado material desechable en este momento, algunas personas decidieron coleccionar material cinematográfico, impulsando la musealización del cine y la creación de archivos.

El Archivo del MOMA

El Archivo del MOMA fue pionero.

  • Steichen: Respondió a parámetros del Pictorialismo y se convirtió en parte de los Secesionistas. Fue una guía maestra para exposiciones temporales y marcó los criterios para los archivos que entraban. Este modelo lo copiaron casi todos los museos estadounidenses.
  • Newhall: Realizó un mayor esfuerzo por asentar el discurso planteado por Steichen. Esta política aspiraba a marcar una línea, a definir qué es arte y qué no lo es en fotografía y qué es museable. Esta musealización marcó los criterios de valoración económica y la determinación del valor de las fotografías.

Criterios de Valoración Fotográfica

Los criterios establecidos incluían:

  • La rareza: Obras con técnicas poco utilizadas.
  • La temática.
  • El valor de la fotografía en Blanco y Negro frente a la de color.
  • El autor y la conservación de la obra.

Se le exigía al autor la destrucción del negativo para que no se pudieran hacer más copias, aumentando así la rareza y el valor.

Musealización del Cine

El MOMA estuvo a la cabeza en la creación de filmotecas. Aunque la situación de los aficionados al cine era muy precaria, existía un gran interés por los reportajes y el cine experimental.

El MOMA pretendió adquirir obras de todo el mundo con clara raíz popular. Otras filmotecas importantes surgieron de manera voluntaria, como las de Londres y París.

Problemas de Conservación y Archivo Cinematográfico

Las filmotecas se enfrentaron a diversos problemas:

  • Surgieron de manera tardía.
  • Gran parte del material se ha perdido al ser reemulsionado (en la política de destruir las películas sin valor económico para crear un nuevo negativo).
  • Muchos países perdieron su cine debido a leyes que promovían la destrucción de copias.
  • El material utilizado en el cine inicial era nitrato, que es altamente inflamable (quema/combustión brutal). Se copiaron las películas de nitrato a celulosa, aunque algunas filmotecas aún conservan nitratos.

La Paradoja del Éxito

Cuanto más éxito tenía una película, peor se conservaba, pues se dañaba el negativo original tras muchas copias.

Los archivos perdieron la memoria porque durante gran parte del desarrollo del cine, el concepto de original no había existido nunca. El cine es, como la fotografía, reproducible. No existía un original porque en el cine, hasta los años 80, no existió el original tal como lo entendemos hoy.

Era común aclimatar la película a las costumbres del país de destino. Se podían filmar nuevas escenas para explicar al público las diferencias culturales. Esto plantea la cuestión de si el original es la película destinada al país donde se rodó o la versión adaptada.

La Noción de Origen

La musealización se enfrentó a la gran cantidad de copias, lo que dificultaba encontrar el original.

Con la aparición del sonoro, se comenzó a sonorizar las películas mudas, creando versiones mudas y sonoras. Muchos directores reeditaron su obra con sus ideas originales, añadiendo el sonoro.

Problema de la Autoría

El cine plantea la cuestión de la autoría, especialmente al considerar a los directores como autores únicos frente a un proceso de producción colectivo.

Estandarización del Proceso de Proyección

La velocidad de reproducción y la degradación del color (por cuestiones químicas, en pocos años las películas perdían su color) fueron otros problemas técnicos y de conservación.

Primeras Manifestaciones de Videoarte y Videoclips

La primera obra de video creación artística data de 1965 (la llegada del Papa), concebida para el museo, no como documento, estableciendo un discurso de arte frente a la televisión.

El primer videoclip se considera del año 1958, asociado a grupos como Fluxus.