Jules Chéret: el padre del cartel publicitario moderno

Pintor, litógrafo y cartelista francés. En Gran Bretaña descubre la técnica litográfica en tres colores (tricromía) en sus carteles también utiliza tipografías alegres y creativas. Desde que vuelve a París, comienza a dibujar numerosos carteles en color y funda su propio taller. Especializado en el espectáculo, Chéret publicó más de 1000 carteles. Le influyeron Tiépolo, Jean-Honoré Fregonard o Antoine Watteau. En sus carteles destaca la figura de mujeres joviales y bellas, desbordantes de felicidad, que con actitud sensual y provocadora actúa a modo de reclamo publicitario intentando atraer al público a los principales teatros, cabarets y óperas de París… La danesa Charlotte Wiehe, “La Chérette”, fue su musa e inspiración en la mayoría de sus creaciones. Con Cheret se empieza a entender el cartel como un nuevo lenguaje en el que se transmiten mensajes e ideas de forma sencilla y directa, creando vínculos con los espectadores y haciéndoles responder así a una serie de estímulos concretos. Los carteles de Cheret son un reflejo de la pintura mural europea en la propia calle, sus obras expresan el espíritu de la época llamada “fin de siècle”, dotándole de un sentido alegórico y rompiendo con el estilo artístico del naturalismo en beneficio de representaciones ligadas a la promoción de productos y del mundo del espectáculo. El artista francés quería representar las maravillas de la vida contemporánea y cosmopolita. Los colores vivos y vibrantes de los vestidos parecen acompasar de manera armónica caras felices, modelos de barbilla fina y mofletes sonrosados que bailan en el aire con el objeto a promocionar. Las litografías de las que fueron testigo las calles de París parecen una danza frenética que invita al consumismo. Las obras más destacadas de Jules Cheret son: ‘La biche au bois’ (primer cartel a un solo color), ‘Orphée aux Enfers’ (primer cartel en tricromía), ‘Bal Valentino’, ‘Théàtre de l’Opera’, ‘Pippermint’, ‘Les Girard’…

Toulouse-Lautrec: la figura de la noche parisina

Toulouse-Lautrec fue un pintor y litógrafo francés, se trasladó a vivir a París y allí pronto se convirtió en una de las figuras más representativas de la noche, pues era habitual en los teatros, circos y cabarets.

La nueva técnica de grabado que surgió en estos años, la cromolitografía, permitía imprimir infinidad de copias a color muy fácilmente. Artistas como Cheret, Steinlen o Lautrec no dudaron en utilizarla para experimentar, creando así carteles que huían de la mera composición tipográfica para empezar a combinar la ilustración con las tipografías. El pintor postimpresionista, tomando como referencia los encuadres y escorzos de las bailarinas de Degas y las figuras de la estampa japonesa, ideó un estilo gráfico innovador y reconocible.

Esa vida le proporcionó la temática donde retrataba las figuras que veía en sus carteles, esos espacios, además de la oscuridad que él representaba con tonos ocres, marrones y negros y los burdeles. Se convirtió en el publicista de esos cafés y cabarets de Montmartre que tanto frecuentaba. Utilizaba sus dibujos para retratar la vida íntima de los habitantes y burgueses de París del siglo XIX. Su estilo se caracterizaba por las apariencias caricaturescas, la ironía y la inquietud que transmitían sus personajes. Empleó el estilo muralista de Chéret, lo engrandeció en cuanto a los aspectos expresivos. Entre los carteles más conocidos hay que destacar el del “Moulin Rouge”.

Nadar: el fotógrafo artista

Nadar está considerado como el primer fotógrafo artista que hizo arte con sus retratos y fotografías. Inicios de la fotografía y él fue quien se dio cuenta de que se podía hacer arte con las fotos. Fotografía a bohemia y a zoca, famosos y burgueses. Tienen miedo de que la fotografía sustituya al arte y los cuadros. Estos retratos estaban basados en el estudio de la incidencia de la luz en los personajes retratados y la captación de la expresión y de los gestos naturales, retrataba a los personajes mientras los entrevistaba de esa manera captaba la naturalidad y la esencia de los gestos.

Modernismo: la unión entre la industria y el arte

Referentes históricos, pérdida de Cuba por parte de España frente a EE. UU., segunda revolución industrial que supone el auge de la burguesía, los burgueses querían vivir en edificios bonitos y pagaban por ello, querían cosas bellas. Barcelona se convirtió en el centro de las primeras migraciones del campo a la ciudad. A finales del siglo XIX se produjo la unión entre la industria y arte, además de dar gran importancia a las artes decorativas, destaca la exposición internacional de arte decorativo moderno de 1902 en Turín. En el modernismo reclamaban unas formas más refinadas que las que ofrecía la producción industrial, en el modernismo reclamaban unas formas más refinadas que las que ofrecía la producción industrial. Tipologías decorativas inspiradas en la naturaleza que relacionaban con el historicismo académico. Se manifestó inicialmente en la artesanía y posteriormente se trasladó a la arquitectura mediante superficies curvas con líneas sinuosas y onduladas. Se despreocupan de la simetría y utilizan formas que evocan la naturaleza orgánica. Estilo de líneas ondulantes y motivos orgánicos, otro modernismo más geométrico. La producción industrial y la fabricación en serie, ante esto se produjo una revalorización del trabajo artesano promovido por Morris y el movimiento del Arts and Crafts. (Movimiento decorativo que intentaba embellecer las artes decorativas y los materiales nobles.

El cartelismo y la publicidad en el modernismo

El cartel, la publicidad se dotó de carácter ornamental y elementos cotidianos, algunos referentes del cartelismo son Toulouse Lautrec y Bonard que demostró una maestría exquisita y su uso distinguido del negro, mucha se observa un estilo de decoración bizantina, su estilo decorativo define el arte cartelista europeo.

Art Nouveau: una manifestación de la estética modernista

Art Nouveau en Francia y Bélgica. Las estructuras tenían que ser los principales elementos ornamentales de los muebles. La intención era conseguir un todo más unitario, evitando la disociación entre estructura y ornamento. En la capital francesa, Guimard, Feure y Horta perfeccionaron el diseño y las técnicas en la fabricación de muebles de madera que se caracteriza por un estilo que exageraba forzadamente la sinuosidad de las curvas, modernismo más curvo.

Las vanguardias y su impacto en el arte

Vanguardias, inicios del s.XX- 1ª guerra mundial y 2ª, originó replanteamiento de la sociedad, falta de fe y desesperanza, caída de los grandes imperios, gran número de muertes lo que provocó cierto desprecio por la vida humana, crac de la bolsa de NY, gran depresión. Características, se caracterizan porque cuestionaban y negaban el arte del pasado y proponían nuevos lenguajes basados en la experimentación constante de materiales y técnicas. Buscaban que el arte se convirtiera en un instrumento provocador y de confrontación, además de la polémica. Se rechazó todo tipo de convencionalismos, están basadas en una rebeldía que fue iniciada por el impresionismo y el postimpresionismo (Van Gogh, Gauguin y Cézanne), Fauvismo, proviene de la palabra fiera en francés y que define la violenta aplicación de los colores sobre el lienzo, por encima de la copia de la realidad prevalece una visión subjetiva y estética del artista. Buscan una reacción sensorial del espectador, autonomía del color con respecto a la forma, representantes: Matisse (La raya verde-la danza- la habitación roja). Derain (El puente de Waterloo).