1. Contexto Social y Político del Renacimiento Musical

El término **Renacimiento**, derivado de la palabra “renacer”, surge para denominar las manifestaciones artísticas de los siglos XV y XVI que buscan recuperar los ideales de belleza y proporción inspirándose en el antiguo arte **clásico griego y romano**.

En la música, sin embargo, no se da esta vuelta al pasado. No hay un renacer (porque no se conoce la música de la antigüedad) ni una ruptura con lo anterior, sino una **evolución estilística** que parte de la etapa del **Ars Nova**.

El Humanismo y la Música

El **Humanismo** es el movimiento cultural que marca todo el Renacimiento. Después de un largo período de **teocentrismo**, el hombre vuelve a mirarse a sí mismo, se interesa por las ciencias, la naturaleza, el cultivo de las artes y la expresión de los sentimientos.

En este contexto, la música es una de las artes privilegiadas. La figura del **compositor** sale del anonimato y adquiere gran relevancia social. Al mismo tiempo, la aparición de la **imprenta** facilita una amplia difusión de la música.

2. Música Vocal Religiosa

Durante el Renacimiento, la Iglesia sufre luchas internas que rompen con la unidad del cristianismo. Las nuevas religiones protestantes buscarán formas nuevas para su liturgia. La Iglesia católica continuará su rica tradición musical llevando la **polifonía** a su máximo esplendor, hasta el punto de que este período se conoce como “el **Siglo de Oro de la polifonía**”.

a) Alemania: La Reforma Protestante

En Alemania, **Martín Lutero** rompe con Roma en el año 1519 estableciendo el protestantismo. Lutero consideraba la música como lo más importante después de la teología y su elevada formación musical (era compositor y flautista) le permitió crear el **coral**, principal forma musical de su iglesia.

  • El coral protestante es una composición sencilla, muchas veces basada en melodías populares.
  • Está escrito a cuatro voces con texto en alemán y es de textura **homofónica**.
  • Estas características facilitaban la participación de los fieles en el canto, que hicieron del coral el himno de la religión protestante.

b) Inglaterra: La Reforma Anglicana

En Inglaterra, **Enrique VIII** se separa de Roma en el año 1534 creando la iglesia anglicana y autoproclamándose cabeza visible de la misma. Esta ruptura supuso el empobrecimiento de la música religiosa inglesa que eliminó la misa y solo utilizó el **anthem** para los servicios religiosos.

El anthem o himno anglicano es una composición similar al motete, escrito a cuatro voces y con texto en inglés.

c) España e Italia: La Contrarreforma Católica

La Iglesia católica reaccionó oponiéndose al protestantismo con la llamada **Contrarreforma**, que sentará las bases de su doctrina en el **Concilio de Trento** (1545-1563). Preocupada por la excesiva complejidad a la que se había llegado en la polifonía, la Iglesia católica marcará también en el Concilio de Trento las directrices que deberá seguir la música:

  1. Mantiene el **canto gregoriano** como canto oficial de la Iglesia católica.
  2. Establece para la polifonía una serie de normas encaminadas a “vigilar la **claridad del texto**” y la “**dignidad en la expresión**” ya que el papel de la música en la Iglesia “no es satisfacer al oído sino ayudar a los fieles a elevar el alma a Dios”.

El **motete** será la forma de polifonía religiosa más importante. Con texto en latín de extensión breve, evitará la complejidad contrapuntística anterior y eliminará la superposición de textos diferentes.

La **misa** es una forma musical compleja, resultado de la unión de todas las piezas integrantes de la liturgia, que pueden estar compuestas en forma de motete o por distintas técnicas de imitación y variación.

Los compositores más importantes de la Contrarreforma son **Giovanni Pierluigi da Palestrina** (1525-1594), **Orlando di Lasso** (1531-1594) y los españoles **Cristóbal Morales** (1500-1553) y **Tomás Luis de Victoria** (1548-1611).

3. Música Vocal Profana

La música vocal profana irá cobrando en este período cada vez mayor importancia frente a la religiosa. Las formas musicales varían según los países y se desarrollan ligadas a las formas poéticas del momento tratando todos los temas relacionados con el hombre y sus emociones.

Italia:

  • El madrigal: forma vocal italiana a cuatro o cinco voces, de textura polifónica compleja y con un carácter marcadamente descriptivo. La música intenta ser fiel reflejo del texto utilizando elementos expresivos (“**madrigalismos**”) para representar su significado o reforzar sus emociones.

Los compositores más importantes son Orlando di Lasso (1531-1594), **Carlo Gesualdo** (1560-1630) y **Claudio Monteverdi** (1567-1643).

Inglaterra

  • Madrigal inglés: sigue el esquema del madrigal italiano pero cantado en inglés: una canción a varias voces y de textura polifónica. Compositor: T. Morley.

Francia

  • Chanson: forma vocal francesa a varias voces y de textura polifónica, normalmente con acompañamiento instrumental. Posee un carácter descriptivo y emplea con frecuencia **onomatopeyas musicales** como cantos de pájaros, efectos naturales, escenas urbanas, batallas…

El compositor más importante: Janequin.

Alemania

  • Lied: canción a varias voces en alemán. En el siglo XIX tendrá mucha importancia.

España

  • Villancico: compuesto normalmente a cuatro voces con textura homofónica, sigue un texto estructurado con estribillo y coplas. El carácter navideño se otorgará después en el Barroco. Compositor: **Juan de la Enzina**.
  • Ensalada: es una forma de canción a cuatro o cinco voces que consiste en la mezcla de diferentes géneros, formas y textos en una sola composición. Compositor: **Mateo Flecha “el viejo”**.
  • Romance: canción estrófica de carácter narrativo compuesta ahora para varias voces con textura homofónica. La temática de los romances seguirá abordando contenidos históricos y legendarios o sucesos y acontecimientos relacionados con la sociedad.

4. Música Instrumental

Durante el Renacimiento, la música instrumental, hasta entonces marginada, irá ganando un creciente interés por parte de los compositores. Se perfeccionarán los instrumentos y sus técnicas y, por primera vez, se compone **música específica para instrumentos**.

La Iglesia continúa con la prohibición del uso de instrumentos, ligados a cultos paganos “peligrosos” para sus fieles, por lo que la música instrumental tendrá que desarrollarse en el ámbito profano.

Por una parte, continuará sirviendo de acompañamiento a la música vocal profana. Por otra, surgirá una verdadera **música instrumental independiente** del canto y su texto.

A partir de estos momentos se empieza a anotar la música que hasta entonces se improvisaba o se ejecutaba de memoria. Sin embargo, el carácter improvisatorio tan arraigado en la práctica instrumental, seguirá vigente durante el Renacimiento y tendrá su reflejo en la utilización de distintas técnicas de **ornamentación y variación** características de muchas formas de la música instrumental.

Formas Instrumentales

La mayor parte de las formas instrumentales del Renacimiento responden a tres tipos básicos de composición:

a) Piezas adaptadas de obras vocales

Mantienen la estructura y la textura típica de las formas vocales originales y son el resultado de la adaptación, espontánea y necesaria, para poder sustituir voces por instrumentos que ofrecen nuevas posibilidades.

b) Piezas basadas en la improvisación

Puede improvisarse sobre una melodía dada o “cantus firmus” o puede inventarse la música libremente sin ningún punto de referencia.

c) Piezas basadas en la variación

El compositor parte de un tema sencillo que después repite con distintas modificaciones. Las variaciones pueden hacerse transformando el material del que se parte o añadiendo cosas nuevas.

El compositor más destacado de música instrumental es **John Dowland** con obras para virginal y laúd.

Los Instrumentos

En la música de conjunto todavía no existe el concepto de **orquesta** como grupo estable, de manera que los instrumentos no se especifican en la partitura y las obras son interpretadas según los medios disponibles en cada ocasión.

De todas formas, podemos hablar de una incipiente preocupación por la interpretación instrumental que se refleja en la publicación de los primeros tratados que describen algunos instrumentos y sus técnicas, normalmente escritos en lenguas vernáculas y dirigidos a músicos prácticos.

Las familias instrumentales se dividen en dos categorías en función de su potencia sonora y no de sus similitudes tímbricas o de ejecución:

  • Música alta: formada por instrumentos de gran potencia sonora. Son agrupaciones destinadas para la interpretación al aire libre en acontecimientos públicos.
  • Música baja: formada por instrumentos de intensidad suave. Son agrupaciones destinadas a la interpretación en espacios interiores.

Los instrumentos solistas preferidos son los de **cuerda pulsada** (laúd y vihuela) y los de **teclado** (órgano y clave), todos ellos polifónicos.

Aumenta el número de instrumentos de viento y muchos de ellos se construyen en familias de distintos tamaños para abarcar la tesitura completa de las voces.

5. Música en España

El Renacimiento supone para España la etapa más brillante de su historia, con un desarrollo político y económico extraordinario que tendrá su correspondiente reflejo en el apogeo de las artes y las letras y en lo que se ha dado en llamar “la **edad de oro de la música española**”.

Música Vocal Religiosa

La música religiosa constituye el repertorio más abundante de la música vocal, unida a la Iglesia católica y siguiendo las directrices marcadas por el Concilio de Trento.

El canto gregoriano sigue manteniéndose como el canto oficial de la Iglesia, así que será en las formas polifónicas donde los compositores desarrollen su labor de creación.

La **polifonía religiosa española** se caracteriza por la **austeridad y la sobriedad**, y por la expresión de un profundo sentimiento religioso.

La forma polifónica religiosa más importante será el **motete** y los compositores más representativos **Cristóbal Morales**, **Francisco Guerrero** y **Tomás Luis de Victoria**.

Música Vocal Profana

La polifonía profana española posee un marcado **carácter popular** que aportará a la música europea un repertorio totalmente original basado en melodías tradicionales, ritmos bailables, empleo del estilo silábico y de una textura homofónica sencilla en la que las voces discurren a la vez.

Las principales formas son el romance, villancico y ensalada (que ya hemos tratado).

Música Instrumental

La música instrumental española estará al corriente de las formas y técnicas de composición europeas asumiendo sus principales características y aportando algunos rasgos propios.

Además de las agrupaciones instrumentales de la época, destinadas en su mayoría a la interpretación de danzas, los instrumentos solistas más importantes serán la **vihuela** y el **órgano**.

Entre los compositores más representativos destacan **Luis de Milán** en la música para vihuela y **Antonio de Cabezón** en la música para órgano.

6. La Danza en el Renacimiento

La sociedad refinada del Renacimiento adoptó la **danza** como uno de los entretenimientos preferidos de la nobleza. Un buen cortesano debía tener una adecuada formación musical y esta, incluía el cultivo de la danza.

Buena parte del éxito de la música instrumental de este período se debe a la música destinada a la danza.

La necesidad de componer una música para ser bailada condiciona su estructura ya que los pasos obligan a una **regularidad en las frases musicales** que permita marcar fácilmente los desplazamientos. Así, la música de danza se caracteriza por la utilización de frases cortas y simétricas, con **cadencias claras**, **ritmos marcados** y frecuentes repeticiones.

Las danzas solían presentarse agrupadas en parejas contrastantes con una primera danza de pasos en ritmo binario y tempo lento, seguida de una segunda danza de giros o saltos, más rápida y en ritmo ternario.

Se habla de dos géneros de danza diferenciados: la **danza de sociedad** y la **danza teatral** que dará origen al ballet moderno.