Las manos

Contexto y Temas

El poema aborda principalmente el compromiso social y político, mostrando la diferencia entre ricos y pobres, simbolizando lo que Miguel Hernández llamó las «dos Españas». Los pobres aparecen como trabajadores honestos, cuyas manos “conducen herrerías, azadas y telares”, mientras que los ricos son representados como manos avarientas y frías, “paisaje de asesinos”, que “empuñan crucifijos y acaparan tesoros”.

El poeta utiliza la naturaleza y sus elementos como símbolos del esfuerzo humano: el sudor se convierte en árbol, luz, áurea enredadera, diluvio lento o vestidura de oro, reflejando el valor y la dignidad del trabajo. Se tratan temas de lucha y desesperación, presentes en tiempos de conflicto y guerra, donde los enfrentamientos reflejan tanto la injusticia social como la explotación. También aparece el tema de la esperanza, la justicia y la libertad como un ideal por alcanzar.

La solidaridad surge de la resistencia y la sangre derramada, mostrando cómo la adversidad puede generar unión. Hernández refleja la realidad social, criticando la opresión y exaltando la fuerza de los trabajadores. El poema plantea un contraste entre dos realidades opuestas, usando símbolos y metáforas para transmitir un mensaje político y humano profundo. La obra refleja la conciencia social del autor y su compromiso con los desfavorecidos, además de destacar la humanidad frente a la injusticia, mostrando un equilibrio entre denuncia y esperanza.

Estructura y Estilo

El poema pertenece al género lírico, con 52 versos distribuidos en 13 serventesios de pie quebrado: los tres primeros versos son alejandrinos y el cuarto heptasílabo, con rima consonante (14A 14B 14A 7b). Miguel Hernández utiliza símbolos de la naturaleza, tanto telúricos como cósmicos, para expresar sentimientos y valores sociales.

Las manos son el símbolo central: unas son fecundas y trabajadoras, otras estériles y ociosas, representando a proletarios y capitalistas, personalizadas y enfrentadas en la guerra. El léxico combina elementos de la naturaleza (rama, monte, mares) y del cuerpo humano (manos, uñas, piel), enriqueciendo los versos con intensidad y pasión. Su estilo es claro y directo, característico de la poesía impura, evitando el esteticismo y buscando transmitir el mensaje social.

Se emplean recursos literarios como:

  • Personificación: “las manos saltan”.
  • Metáfora: “rama combatiente”.
  • Hipérbole: “retumbantes las venas”.
  • Metonimia: “uñas rotas”.
  • Sinestesia: “sonoras manos oscuras”.
  • Anáfora e interrogación retórica: que refuerzan la fuerza expresiva.

Hernández combina tradición clásica y vanguardia, creando versos de lirismo intenso y originalidad, con un mensaje social profundo, fácilmente comprensible y emocionalmente impactante, mostrando su sello personal como poeta comprometido.

Aceituneros

Contexto y Temas

El poema trata sobre el compromiso social y político de Miguel Hernández. Se centra en la lucha por la supervivencia y la resistencia ante la adversidad. Describe la dura labor de los campesinos en el campo y su vida difícil, mostrando la realidad de una España rural empobrecida y trabajadora.

  • Los aceituneros continúan trabajando con esfuerzo, demostrando fuerza y resistencia.
  • Se relaciona con la dignidad humana y el valor del trabajo como medio de vida.
  • El poema refleja la injusticia social y la explotación de los trabajadores rurales.
  • Invita a reflexionar sobre la justicia social y la libertad.
  • El poeta hace un llamamiento a ciudades de retaguardia, como Jaén.
  • Se percibe la intención de movilización social y política.
  • Los campesinos enriquecen los campos mientras los dueños se benefician injustamente.

El poema es una denuncia de la situación de los trabajadores. Hernández utiliza un lenguaje sencillo y directo para transmitir la realidad del campo. Se refleja la conexión del hombre con la naturaleza y el paisaje rural. El poema combina introspección lírica con crítica social. Se destaca la importancia de la unión y la acción colectiva de los trabajadores, invitando a luchar por los derechos y mejorar las condiciones de vida. La obra transmite esperanza y perseverancia frente a la opresión. Se percibe el orgullo y la dignidad del pueblo trabajador. El poema enfatiza la resistencia, la lucha diaria y la solidaridad. El mensaje principal es la justicia social y la movilización del pueblo. En síntesis, «Aceituneros» refleja lucha, resistencia y compromiso social.

Estructura y Estilo

El poema pertenece al género lírico y está compuesto en cuartetas. Consta de 48 versos agrupados en 12 estrofas de cuatro versos octosílabos. La rima es consonante según el esquema abab, inspirada en canciones populares. Miguel Hernández utiliza símbolos del mundo natural y lo telúrico:

  • La aceituna simboliza sustento, esperanza y conexión con la tierra.
  • El sol representa fuerza y energía para el trabajo diario de los campesinos.
  • El viento simboliza el poder y la resistencia del pueblo trabajador.
  • Los olivos reflejan fortaleza y perseverancia frente a la opresión.
  • Los aceituneros representan la lucha diaria por sobrevivir y prosperar.

Se utilizan metáforas, personificaciones y metonimias para intensificar el mensaje. Ejemplos: “el olivo alzó la mano”, “troncos retorcidos” y “sudor como herida”. También hay hipérboles: “cuántos siglos de aceituna” para exagerar esfuerzo y tiempo. Se emplean anáforas y paralelismos para reforzar la denuncia social. El polisíndeton (“ni…ni”) enfatiza la acumulación de injusticias. El hipérbaton y la anadiplosis crean ritmo y expresividad poética. El lenguaje es claro, directo y cercano al lector, propio de la poesía impura. Combina lirismo, compromiso social y denuncia política de manera intensa. La naturaleza y lo cósmico refuerzan el mensaje poético y simbólico. El estilo mezcla tradición clásica con elementos vanguardistas.

Elegía segunda

Contexto y Temas

El poema exalta y alaba al extranjero que decide luchar en España, apoyando a los republicanos. Se centra en la figura heroica de Pablo, miembro de las Brigadas Internacionales. El yo lírico recuerda el momento en que Pablo decide quedarse en España para combatir. Se representa la valentía y el compromiso frente a la guerra.

Luego, el poeta imagina que Pablo es herido en el frente y recibe ayuda de sus compañeros. Le quitan metralla y lo cubren con trofeos funerarios, símbolo de honor. El poema utiliza la segunda persona para dirigirse directamente a Pablo, aumentando la intimidad. Se resalta que la figura de Pablo cala tanto en España como en el alma del poeta. El fallecido es admirado desde las altas esferas hasta las clases más modestas. Se percibe el dolor de la pérdida, aunque controlado y contenido. La muerte no disminuye la admiración y el respeto hacia Pablo. Se enfatiza la trascendencia de su figura a través de la muerte.

La obra refleja la solidaridad, la lealtad y el heroísmo en tiempos de guerra. También se evidencia la memoria histórica y la importancia de los combatientes extranjeros. La muerte se convierte en un símbolo de eternidad y grandeza. Se transmite una mezcla de dolor, respeto y admiración profunda. El poema subraya la universalidad de la lucha y el sacrificio. El yo lírico comparte sentimientos de pérdida y orgullo hacia el amigo caído. Se muestra la dimensión colectiva de la guerra y la defensa de ideales. El tema central es la heroica participación extranjera en la Guerra Civil española. También aparecen la lealtad, la solidaridad y el reconocimiento póstumo. En síntesis, combina elogio, dolor y recuerdo de la valentía en la guerra.

Estructura y Estilo

El texto pertenece al género lírico y es una elegía, lamento por la muerte de un ser querido. Está compuesto en silva de 45 versos sin estrofas simétricas, con versos de arte menor y mayor. Se usan heptasílabos, endecasílabos y alejandrinos, con rima consonante irregular. Forma bloques de versos con cambios de rima cada cuatro o siete versos aproximadamente.

Se utilizan metáforas para expresar la grandeza del amigo: “edificio tronante de guerrero”. Otra metáfora: “ojos de granito”, reflejando la firmeza y seriedad del personaje. La metonimia “hierba de España” representa al país donde está enterrado. El poema realiza una laudatio, elogio al difunto: “cejas incendiadas que todo el cielo encienden”. El oxímoron “disfrutas la muerte” resalta la paradoja de la muerte heroica. Se incluyen elementos de la naturaleza: cielo, volcán, río, montaña, sol, rayos, animales como el toro. El estilo mezcla tradición y vanguardia, con lirismo y expresividad. Se usan recursos formales como metáfora, oxímoron y metonimia para intensificar el mensaje. El poema refleja dolor, admiración y respeto por la figura heroica. El lenguaje es serio, profundo y altamente simbólico. La estructura libre de silva permite flexibilidad y ritmo expresivo.

El niño yuntero

Contexto y Temas

El poema trata sobre la denuncia de las duras condiciones de vida y trabajo de los niños campesinos. Expresa el dolor, la injusticia y el sufrimiento que acompañan a los más humildes desde su nacimiento. El niño protagonista nace para trabajar, para sufrir y padecer, simbolizando la explotación social. Se percibe un tono épico-lírico con fuerte carga social y sentimental, centrado en la tragedia cotidiana.

Hernández describe la vida del niño entre el estiércol, el arado y la penuria, reflejando la opresión. El poema combina tristeza con un hilo de esperanza, invitando a los jornaleros a rebelarse. Se muestra empatía y solidaridad del poeta hacia el niño y su destino trágico. Se evidencia la crítica social hacia las desigualdades y la explotación infantil. El dolor del niño simboliza el sufrimiento colectivo del pueblo campesino. La injusticia se presenta como un ciclo que comienza al nacer y parece ineludible. El poeta sugiere que la resistencia es posible y necesaria para romper ese estado de cosas.

El poema está estructurado en tres partes:

  • Estrofas 1-10: Descripción del destino trágico del niño y su vida marcada por el yugo.
  • Estrofas 11-13: Identificación del poeta con el niño, mostrando empatía y compasión.
  • Estrofas 14-15: Incitación a la acción para cambiar la injusticia y el sufrimiento.

El tema central es la explotación laboral infantil y la denuncia de la miseria rural. También aparece la esperanza de justicia y la reivindicación de los derechos de los trabajadores. La obra refleja la realidad social de la España rural de la época. Se percibe la voz del poeta como portavoz de los oprimidos. El dolor y la injusticia se combinan con la posibilidad de rebelión y cambio. El poema es ejemplo de la poesía comprometida de Hernández, uniendo emoción y denuncia.

Estructura y Estilo

El poema consta de 60 versos agrupados en 15 cuartetas octosílabas con rima consonante abab. Pertenece al género lírico-social, propio de Miguel Hernández y su época. El autor usa símbolos con significación connotativa, como el “yugo” que representa la opresión. El yugo es aplicado al niño para mostrar su condición de esclavo desde el nacimiento.

La naturaleza tiene un papel central: tierra, arado y campo simbolizan vida, trabajo y muerte. El niño es fruto de la unión de la tierra (madre) y el arado (padre), metáfora de la vida campesina. La obra emplea personificaciones: la naturaleza parece hablar del sufrimiento humano. Se utilizan símiles, metáforas, antítesis y sinestesias para transmitir emoción y significado. Ejemplos: “carne de yugo”, “alma color de olivo”, “sudores una corona grave de sal”.

Hay paralelismos y anáforas (“a fuerza de, a fuerza de”) para enfatizar la repetición del sufrimiento. El polisíndeton (“y…y…y”) refuerza la acumulación y dureza del trabajo diario. La antítesis “empieza a vivir y empieza a morir” refleja la tragedia de la infancia. La hipérbole intensifica la sensación de sacrificio y explotación. El lenguaje es directo y claro, accesible al lector, combinando lirismo y denuncia. El poema refleja la influencia del romance popular español en métrica y ritmo. El contenido social se mezcla con un estilo poético clásico y simbólico. Lo telúrico y la vida rural son elementos recurrentes en la lírica hernandiana.

Vientos del pueblo me llevan

Contexto y Temas

El poema tiene como tema principal la exaltación heroica del pueblo y su lucha contra la opresión. El autor llama al pueblo a rebelarse contra el poder que lo somete, defendiendo la justicia y los derechos de las clases explotadas. Se percibe un compromiso social y político, mostrando la poesía como arma de lucha y esperanza. El tono es épico-lírico, con un protagonismo colectivo donde el pueblo es el referente poético externo.

La obra refleja la guerra y la tragedia de España, con un poeta consciente del sufrimiento pero optimista en la victoria. Se destacan la resistencia y la valentía frente a la injusticia, representadas mediante símbolos como el buey sumiso y el toro valiente. El poeta recorre distintas regiones de España, enfatizando la unidad y la fuerza de la población. La conciencia del peligro y la muerte no detiene la lucha; al contrario, el enfrentamiento con la muerte fortalece la determinación del pueblo. Se hace énfasis en romper con el pasado, recuperar lo propio y luchar por la libertad.

La obra se estructura en varias partes:

  1. La presentación del viento que inspira al poeta.
  2. La descripción del pueblo sumiso y rebelde.
  3. La enumeración de los españoles por regiones y la llamada a la resistencia.
  4. La reflexión sobre la muerte como parte de la vida y de la lucha por los ideales.

El poema es una arenga o discurso para enardecer a los oyentes y motivarlos a combatir la opresión.

Estructura y Estilo

El poema pertenece al género lírico y fue publicado en 1936 en El Mono Azul. Es un romance octosilábico de 74 versos con rima asonante en los pares y versos sueltos en los impares, mostrando la tradición del romance español. Miguel Hernández se inspira en autores como Federico García Lorca, utilizando recursos simbólicos y un lenguaje connotativo.

El viento simboliza la voz del pueblo, mientras que el buey representa sumisión y el león, el toro o el águila, la rebeldía y el coraje. Se emplea un estilo claro y directo, con metáforas sencillas y un lenguaje popular para llegar al lector. El poema comienza con anáforas y repetición (“vientos del pueblo”), incluye personificación, interrogaciones retóricas y polisíndeton para enfatizar la unión del pueblo. La enumeración de regiones refuerza la dimensión colectiva y la resistencia. La hipérbole expresa la valentía frente a la muerte. La naturaleza y lo telúrico son elementos recurrentes: viento, huracán, cordilleras y animales refuerzan el mensaje poético. La obra combina emoción, compromiso social y épica, reflejando la guerra y la lucha del pueblo español.