U 29: La Revolución Dodecafónica y el Jazz Temprano

En 1924, Arnold Schönberg estrenó su Serenata Op. 24, una de sus primeras obras en aplicar el método dodecafónico, el cual revolucionó la composición musical al abandonar la tonalidad tradicional. Este sistema, basado en la organización de las doce notas de la escala cromática sin jerarquías, permitió una nueva forma de estructurar la música de manera autónoma y rigurosa. Su influencia se expandió durante el siglo XX, especialmente en la posguerra, marcando el desarrollo de la música serialista y estableciendo un lenguaje sonoro vanguardista en contraposición a la música comercial y tonal dominante.

Obras Clave del Jazz y la Música Popular

  1. Rodgers: Babes in Arms («My Funny Valentine»): Escrita en 1937, es una canción del jazz y la música popular estadounidense. Su melodía compleja y las armonías influenciadas por el jazz destacan, permitiendo a los intérpretes aportar su propio estilo. La canción ejemplifica la fusión de la música popular con el jazz, un género emergente que transformó la relación entre compositor e intérprete. Además, refleja el cambio hacia una mayor importancia de la interpretación vocal e improvisación en la música popular del siglo XX.
  2. Ellington: The Mooche (1928): De Duke Ellington, es una pieza clave del jazz temprano que marca una transición hacia un estilo más estructurado y sofisticado. Combina influencias del blues y la música de Nueva Orleans con armonías complejas, destacando por su atmósfera misteriosa y la fusión entre orquestación precisa e improvisación. La riqueza sonora de los metales refleja el enfoque innovador de Ellington.
  3. Davis: My Funny Valentine: Grabada en 1956, destaca por su enfoque minimalista y melancólico. Con un tempo lento y una interpretación introspectiva, Davis resalta la emoción a través de su trompeta, utilizando frases alargadas y un estilo susurrante. El acompañamiento del quinteto, con piano, contrabajo y batería, crea una base sólida que permite una improvisación fluida. Esta versión refleja el jazz modal emergente en la carrera de Davis, enfocándose en la simplicidad y el espacio, lo que la convierte en una de las interpretaciones más emotivas de la canción.

U 30: Dodecafonismo y Vanguardias de Posguerra

A mediados del siglo XX, Arnold Schönberg desarrolló el dodecafonismo, un sistema que organizaba los doce sonidos cromáticos en series, reemplazando la tonalidad tradicional. Este método influyó en las vanguardias musicales de posguerra, buscando orden en un contexto incierto. Compositores como Béla Bartók y Olivier Messiaen exploraron nuevas estructuras, como la microtonalidad y la matemática. El dodecafonismo se convirtió en la vanguardia más influyente, promoviendo una visión formalista de la música como arte autónomo frente a la comercialización musical.

Obras Representativas del Dodecafonismo y la Música Contemporánea

  1. Schönberg: Un superviviente de Varsovia (1947): De Arnold Schönberg, es una intensa obra dodecafónica que retrata los horrores del Holocausto. Escrita para narrador, coro masculino y orquesta, combina el testimonio de un sobreviviente con la oración hebrea Shemá Israel. Con apenas seis minutos de duración, se convirtió en un referente ético y musical del siglo XX, reflejando el dolor y el compromiso de Schönberg frente al nazismo.
  2. Messiaen: Cuarteto para el fin de los tiempos (Liturgia de cristal): Olivier Messiaen, influyente compositor del siglo XX, compuso su Cuarteto para el fin de los tiempos en 1941 mientras era prisionero de guerra. La obra, de inspiración religiosa y estructurada en ocho movimientos, refleja su estilo único. En el primer movimiento, “Liturgia de cristal”, emplea imitaciones de cantos de aves, técnicas medievales, escalas sintéticas y ritmos de la música india para evocar una sensación de eternidad y espiritualidad.

Obras Destacadas de la Música del Siglo XX

  1. Shostakóvich: Sinfonía nº 5 (1er mov.): La exposición de este movimiento es la sección más extensa, con dos áreas temáticas en Re menor y Mi bemol mayor. La primera es compleja, con dos motivos principales que aparecen cuatro veces, mientras que la segunda se divide en antecedente y consecuente, separados por una sección intermedia. El desarrollo intensifica el ritmo con dos puntos culminantes. La recapitulación es abreviada en ambos bloques, y la coda, la más poética y misteriosa, incluye un acompañamiento basado en el motivo principal del área temática A.
  2. Pärt: Fratres: Esta obra es una especie de letanía en la que una misma frase es repetida secuencialmente nueve veces, separadas entre sí por seis delicados toques de claves y bombo. La frase usa una escala en La frigio mayor y está dividida en dos semifrases simétricas entre sí, que utilizan una talea que se repite tres veces. Las nueve repeticiones se realizan de forma secuencial descendiendo por terceras y la voz resultante es armonizada con una segunda voz a una décima por debajo; una tercera voz tintinnabular situada en medio de ambas voces y un pedal de tónica (La).

U 32: Serialismo, Minimalismo y la Exploración Sonora

En la segunda mitad del siglo XX, las vanguardias musicales adoptaron un enfoque ideológico y constructivo tras perder centralidad. Aunque el serialismo dominó inicialmente, fue criticado por su rigidez, lo que llevó a dar más libertad al intérprete y a planificar las obras de forma más global. La emigración de músicos europeos impulsó la integración del serialismo en EE. UU., y las vanguardias posteriores se centraron en la exploración del sonido.

Innovaciones en la Composición Musical

  1. Reich: Piano Phase (1967): De Steve Reich, es una obra minimalista para dos pianos que explora el desfase rítmico. A partir de patrones simples que se desincronizan gradualmente, se crean texturas como unísonos, flanging y trémolos. Dividida en tres secciones con patrones cada vez más cortos, la obra produce una sensación de movimiento sin alterar el tempo. Es una pieza clave del minimalismo por su uso innovador de la técnica de “phasing”.
  2. Grisey: Vortex temporum I: Este primer movimiento de la obra tiene tres secciones. En la primera, cada uno de sus segmentos se manifiesta como un «filado» en diminuendo de una duración media de una respiración, mediante un arpegio en fortissimo que va decayendo, siendo una onda sinusoidal. La segunda sección es una especie de negativo de la primera; la dinámica aumenta conforme avanza la sección y los arpegios adquieren una onda cuadrada. Por último, la tercera sección es una cadenza para piano; los estados están definidos a partir de una serie de gestos musicales y forma una onda en diente de sierra.

U 33: Tecnología, Música Pop y Medios de Difusión Masiva

En la segunda mitad del siglo XX, la evolución tecnológica impulsó una nueva revolución en la producción musical, gracias a nuevos formatos y dispositivos. La expansión de los medios de difusión masiva segmentó el mercado musical según generaciones, etnias y clases sociales, influenciado por factores como distribución, inteligibilidad y origen geográfico. La música pop no es un género específico, sino cualquier música destinada al consumo masivo, basada en cinco paradigmas: canción lírica, folk, jazz, R&B y música electrónica. La manipulación del sonido comenzó con la cinta magnetofónica, seguida de mesas de mezcla y sintetizadores.

Iconos de la Música Popular y el Rock

  1. Presley: The Jailhouse Rock: Es una canción escrita por Leiber y Stoller, popularizada por Elvis Presley en 1957 como parte de su película del mismo nombre. Considerada pionera del videoclip musical, fue aclamada por críticos y reconocida por el Salón de la Fama del Rock, los Grammy y el AFI. La letra incluye referencias a personajes reales y ha sido analizada por su posible contenido homoerótico. La actuación coreografiada de Presley es considerada icónica en la historia del cine musical.
  2. The Beatles: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band («A Day in the Life»): Es la última canción del álbum Sgt. Pepper’s (1967) de The Beatles, escrita por Lennon y McCartney con secciones separadas unidas por crescendos orquestales y un acorde final de piano. Inspirada en noticias y recuerdos juveniles, fue inicialmente censurada por la BBC por supuesta alusión a drogas. Es considerada una obra maestra del grupo y una de las mejores canciones de la historia. Ha sido versionada por varios artistas y McCartney la interpreta en vivo desde 2008. Fue elegida la mejor canción de The Beatles por Rolling Stone y es una de las más aclamadas por la crítica.

U 34: Música Cinematográfica y la Democratización Musical

Tras la Segunda Guerra Mundial, los avances técnicos y cambios sociales democratizaron el acceso a la música y fomentaron nuevas modalidades musicales. La educación musical se universalizó, y la música clásica pasó a considerarse patrimonio cultural. El vinilo y el LP revolucionaron la escucha, permitiendo mayor calidad y acceso a un repertorio amplio. Además, la música cinematográfica impulsó a los compositores a integrar elementos contemporáneos como el jazz y la atonalidad, adoptando enfoques más objetivos en sus creaciones.

Musicales y Obras Escénicas Influyentes

  1. Bernstein: West Side Story («Cool» Fugue): La pieza tiene tres secciones. La canción, en modo de Do con inflexiones de blues, se divide en dos partes: la A con un motivo de tritono y la B con carácter semicadencial y luego conclusivo. La fuga incluye cuatro entradas, introduce un contrasujeto en la segunda y presenta variaciones rítmicas en las siguientes. En la recapitulación, se establece un diálogo con el contrasujeto; la primera parte reaparece en Sol y la segunda, en Do, interpretada por coro y solista.
  2. Lloyd Webber: Jesus Christ Superstar: La partitura de Jesus Christ Superstar es una de las más sofisticadas del musical rock, con un lenguaje basado en progresiones armónicas directas y sencillas. Sus registros vocales varían desde la balada hasta el hard rock y el soul. La obra incluye casi 25 motivos musicales conductores, combinando riffs de rock y temas independientes, a menudo yuxtapuestos. Además, incorpora elementos del experimentalismo rock, como compases irregulares y solos de guitarra eléctrica.

U 35: Música Post-Muro de Berlín y la Era Digital

La caída del Muro de Berlín y el individualismo pragmático debilitaron las bases sociales e ideológicas de la música. El acceso masivo a la música ha devaluado su valor económico y estilístico, estableciendo un nuevo paradigma basado en la regulación del estado de ánimo. Además, la explosión tecnológica ha reforzado la notación musical, aunque la evolución del sonido seguirá generando transformaciones profundas en el futuro.

Exploraciones Sonoras Contemporáneas

  1. Harvey: Mortuos plango, vivos voco (años 80): De Jonathan Harvey, es una obra electroacústica que combina el sonido de una campana y la voz de un niño. Utiliza síntesis espectral para descomponer y recombinar sonidos, y está diseñada para sonido envolvente octofónico. La pieza se estructura en ocho secciones que desarrollan progresivamente sonidos sintéticos, finalizando con la reaparición de los sonidos originales y un latido que se desvanece.
  2. The Big Blind: Unrequited Self Love Story: Este álbum utiliza los códigos de la música electrónica de baile para configurar una paleta de colores y procedimientos encaminados a la implementación de una poética musical. El álbum presenta elementos que podemos relacionar con el pop, rock o incluso la canción de autor. Este tiene un componente poético, muy marcado desde el subrayado puntual de las palabras hasta la contraposición de dos principios básicos y opuestos entre sí: el animal (tribalidad, tierra…) y el trascendental. La pendularidad de estos principios constituye el marco narrativo de esta historia, que podría describirse como un descenso a los infiernos.